CORTOMETRAJE: DINNER WITH HOLLY DIR JOSH CROCKETT Y DANIEL SINCLAIR

...O EL INTENTO FALLIDO DE UN THREESOME

¿Por qué verlo? Rob y Anna están tratando de agregar un poco de condimento a su vida sexual, y en realidad han estado haciendo un buen trabajo, su necesidad de limpiar los mostradores de la cocina es una indicación, pero cuando su amigo de Holly viene a cenar esta todo se complica. Esta breve película de Josh Crockett y Daniel Sinclair propone una serie de problemas con la Oficina y las proposiciones incómodas. 

En realidad, hay dos claves para la brillantez de Dinner with Holly. La primera es la química compartida entre sus actores - Kristin Slaysman, Bob Turton y Bridget Moloney - que crea una base realista para que los personajes vayan más allá de su zona de confort al tiempo que permiten a todas las emociones abrumadoras que, naturalmente, acompañamos. Estos son nuestros amigos y vecinos. Cada decisión parece estar arraigada en averiguar lo que haría una clase media aburrida cuando se enfrentan a situaciones incómodas que son en gran medida auto-deseadas y de creación propia. Se dan cuenta en medio de su viaje que ser demasiado relajado tiene consecuencias más allá de fregar las superficies de la cocina. 

La segunda marca de la magia es la edición, que es valiente al permitir silencios prolongados que logran hacernos sentir a veces desesperados para que la escena cambie. Se refuerza todo lo que hacen los actores, ofreciendo un entorno de anti-risa. Al igual que un extraño haciendo contacto visual prolongado, no tenemos más remedio que aceptar la situación o mirar hacia otro lado, y si usted puede manejarlo mirando torpemente en la cara.

Dinner with Holly from Explosive Bolts on Vimeo.

MI ASESINATO FAVORITO DE LA HISTORIA DEL CINE

HAL NO PUDO TENER UN MEJOR FINAL

La primera vez que entendí lo que era la vida artificial fue cuando de niño (por descuido de mis padres tal vez) vi completa 2001: A Space Odissey de Stanley Kubrick y me horrorice ante la posibilidad de que una maquina cobrara sentido de su propia existencia.

En ese entonces recuerdo me pareció muy lógico y trágico a la vez porque en verdad yo imaginaba un mundo de mi propia adultez llena de robots con libre albedrío pero con un carácter muy más noble y siempre al servicio del hombre.

La película siempre esta en un tono muy tenso y cuando descubres que Hal 9000 esta detrás de todo lo horrible que esta sucediendo sabes que la única forma de que los personajes sobrevivan es destruirla.

Recuerdo haber sentido una gran alivio cuando por fin la desactivaron y recuerdo no haber entendido nada de lo que vi, pero a Hal 9000 nunca lo pude olvidar.

CORTOMETRAJE: QUENTIN AND LISA IN THE GROCERY STORE DIR THANE ECONOMOU

UNA LOCA RELACION DE PAREJA

¿Por qué ver? Dos cosas sobresalen sobre esta comedia (?) Cortometraje de Thane Economou además de ser una sola toma de seis minutos de duración en travelling. En primer lugar, es una intensa explosión del espectro emocional completamente contenida en un espacio pequeño. En segundo lugar, se encoge de hombros ante su propia ferocidad. 

En Quentin and Lisa…at the Grocery Store, dos exes ardientes se topan de frente en un área construida para carritos de supermercado, donde proceden a atacarse brutalmente unos a otros en todo el establecimiento. Las cosas se ponen feas - tal vez demasiado feas - pero la energía maníaca es contagiosa, proporcionandas por dos cerebros carentes de pensamiento racional en una oportunidad de chocar. 

El ritmo de la comedia es fuerte, el movimiento de la cámara es bastante acrobática para impresionar en el poco apretado espacio, pero el cortometraje también funciona en gran parte porque se centra en la explosión de un argumento que tiene sentido desde un par de metros de distancia. 

Más allá de ese fundamento, el humor viene directamente del miedo incómodo de la confrontación, interpretado de forma natural y seguido por dos radicales libres encontrando sus puños verbales. Deje que los fuegos artificiales comiencen. 

Quentin and Lisa...at the Grocery Store from Thane Economou on Vimeo.

PELÍCULAS DE LOS 80 QUE NO SE PODRIAN HACER HOY

A VECES LOS PREJUICIOS PESAN MUCHO

Las películas clásicas a veces pueden ser incómodas de ver. Muchas cosas que fueron socialmente aceptadas durante la Edad de Oro de Hollywood no lo son hoy, y viceversa. Y las representaciones y el tratamiento de las minorías de raza, religión, orientación sexual y género no eran a menudo auténticas ya sea por ignorancia o la ocultación habitual. Pero no son sólo las películas de la época de nuestros abuelos que encajan en esta idea en las que debemos tener en cuenta los tiempos en que la apreciación de cine, si se trata de estereotipos horribles en The Birth of a Nation o de la violación conyugal en Marnie o la villanización general de los nativos americanos durante décadas. Ahora estamos lo suficientemente lejos de la década de 1980 y es el momento de examinar de nuevo sólo lo que nos pareció bien, sobre todo lo que encontramos divertido en ese entonces. 

Muchas de las exitosas comedias de esa década nunca habrían visto la luz hoy. Parte de ella es la incorrección política sobrante, el racismo, el sexismo abierto, pero también ha habido cambios culturales y tecnológicos en los últimos 25 a 35 años que hacen otros escenarios tal vez incluso incomprensibles para los espectadores jóvenes ahora. Uno de los elementos de muchas películas de la década de 1980 que no funcionaría para el público moderno es tanto la homofobia empleada en el humor, insultos y gags que involucran bares gay. También había un gran problema con respecto a la aparentemente inocencia en el asalto sexual, en su mayoría no-físico en aquel entonces, de los fantasmas y los chicos súper poderosos que miran furtivamente y desnudar a las mujeres desprevenidas a las formas no sobrenaturales más comunes de voyeurismo. 

Hollywood podría rehacer fácilmente muchas de las películas culpables de esas cuestiones y dejar de lado ese tipo de lenguaje y situaciones inapropiadas, pero los siguientes comedias de la década de 1980 no podía ser tan fácilmente reelaboradas como para ser aceptables o tener sentido en un entorno de hoy en día. Curiosamente, algunos de ellas han sido o están en fase de ser rehechas. Buena suerte a sus respectivos productores superando los obstáculos de escenarios arcaicos y humor. 

The Toy (1982)

Incluso si usted compra que esta comedia de Richard Pryor es más sátira que racismo puro, sigue siendo difícil de vender una película en la que un hombre blanco rico compra un hombre negro como un "juguete" para su hijo mimado. No debió incluso parecer correcta en ese entonces, sobre todo porque cualquier comentario social se perdió, pero en realidad fue un éxito de taquilla y VHS. 

Mr. Mom (1983)

Todavía hay un montón de gente que piensa que un hombre debe trabajar y la mujer debe quedarse en casa en la cocina con los niños. E incluso más personas tienen problemas para al menos sacudir los estereotipos de género, mientras que aceptan que son chapados a la antigua. Aún así, el concepto de la estancia en casa de papá es bastante común en estos días. Esto y muchas otras películas y programas de televisión relacionados con chicos que tienen problemas para cuidar de los niños y las tareas del hogar son ahora sólo un pedazo de la historia, como una respuesta a las normas sobre la familia. Más que el escenario de un señor mamá, sin embargo, es la materia sobre lo loco que es para la madre de tener un trabajo importante que está especialmente fuera de moda hoy en día. Todavía podemos reírnos de un hombre que tiene problemas para cambiar pañales y tabla de camisas, pero no hay nada divertido o extraño en una mujer en la sala de juntas.

Revenge of the Nerds (1984)

No es necesariamente la escena de la violación inadecuadamente justificada donde un personaje se hace pasar por otra persona con el fin de tener relaciones sexuales con la novia de esa persona, ni es necesariamente el asalto a las mujeres en forma de un robo en casa de la hermandad, ni la instalación de una cámara voyeur y distribución de fotos de desnudos. Todo esto es bastante terrible y, obviamente, no debería estar planeado en el remake. La razón principal por la cual no tiene ningún sentido volver a hacer esta película es que los nerds se ven de manera muy diferente 30 años después. Ellos han "ganado". Ya tenemos una nueva revancha de los novatos, y se llama La Red Social.

Spies Like Us (1985)

Si sólo tuviéramos comedias como esta hoy. No importa que la Guerra Fría haya terminado y los escenarios para encontrar humor en una potencial guerra nuclear no son tan fáciles de lograr o relevantes. No importa que la comedia de espionaje es casi inexistente ahora, a pesar de que los espías siguen siendo importante. No creo que nos hayamos metido demasiado en serio en considerar la poca inteligencia para disfrutar de una película sobre los idiotas que se utilizan como señuelos desechables que en última instancia, salven al mundo. Simplemente Estados Unidos no tiene un adversario internacional tan atractivo como los soviéticos, con los cuales podrían tener héroes tontos haciendo la paz tan profundamente como sucede en el tercer acto de esta película en particular. La Guerra Fría de hoy es la guerra contra el terrorismo, y el público simplemente no sería como aceptaría tan fácil una comedia que involucre a Al Qaeda.

TRAILER: GENERACIÓN SPIELBERG DIR. GIBRAN BAZÁN

EL BLANCO Y NEGRO DIGITAL

Presentada en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), Generación Spielberg es el primer largometraje de ficción del director Gibrán Bazán después del documental Los rollos perdidos. La cinta fue filmada en el 2009 con ayuda de Bruno Bichir, su protagonista, y un par de cámaras prestadas, cuenta cinco historias que en algún punto se entrelazan. Comparten pantalla Silvia Carusillo, Sophie Gómez, Alejandro Durán, Luisa Sáenz, Sonia Franco, Miguel Conde, Ricardo Zárraga, Gabriel Casanova, Mauricio Ramírez, Eduardo Negrete, Luis Fernando Padilla, Andrés Pardavé, Ramón Medina y Guillermo Villegas.


Le película llegará próximamente a las salas de cine del país.

Sinopsis: Cinco historias entrelazadas. Dos amantes se quedan 24 horas bajo las sábanas. Una chica de alcurnia queda atrapada en un elevador con un mensajero y un contador. Un grupo de escritores se emborracha con mezcal en una camioneta, recordando sus épocas ochenteras. Una psicoanalista se encierra en el baño para suicidarse, mientras una ejecutiva y madre de familia, quien tenía un affaire con ella, se esconde en el cuarto de escobas de su oficina para curar su corazón roto con vino.

CORTOMETRAJE: "PALOMA" DIR. ROBERTO FIESCO

PERDIMOS A UNO DE LOS ULTIMOS SIMBOLOS DE LA MEXICANIDAD

El día de hoy (14 de Agosto de 2014) murió Columba Domínguez  considerada pieza fundamental en la historia de la epoca de oro del cine mexicano y una de las grandes musas del director cinematográfico "El Indio" Emilio Fernández, a quien, además, estuvo unida sentimentalmente por varios años.

No pierdo la oportunidad de sumarme a los homenajes posteando a continuación uno de sus últimos trabajos "Paloma" cortometraje escrito por el multi-premiado director Julian Hernández y dirigida por el también director y productor Roberto Fiesco.

Roberto Fiesco en entrevista para Radio Formula comento desde Bogotá Colombia lo siguiente:

"Al morir Columba Domínguez se muere algo más que una actriz, ella era un símbolo de la mexicanidad ante el mundo"

"Ella era la última representante de una época de oro, que muere también con ella, aquella que construyó la idea de la indígena llena de dignidad, hieratismo, fortaleza, pero sobre todo belleza"

Con profunda tristeza, Fiesco recordó que cuando filmaron "Paloma":

"Columba fumaba muchísimo y eso la llevó a tener un problema con la maquillista, quien era muy estricta y le prohibió hacerlo en su zona de trabajo mientras la maquillaba"

"No sé si sepas quién soy yo, pero afortunadamente yo no sé quién eres tú. Y después de escuchar eso, la maquillista la dejo fumar", agregó el también productor. Roberto expuso: "A Jorge Pérez Solano, director de "Espiral", y a mí se nos ocurrió rendir un homenaje a una de aquellas actrices del cine que nos había formado y no dudamos un momento en buscar a Columba para que actuara en "Espiral"

Finalmente, Fiesco se congratuló que la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de México le haya entregado a Columba el Ariel de Oro, como reconocimiento a su trayectoria, y "lamentablemente jamás pudo regresar a la casa de ' El Indio' Fernández, en Coyoacán, en la ciudad de México, como fue su deseo". 

CREDITOS INICIALES: THE FALL DIR. TARSEM SINGH

BELLEZA EN CAMARA LENTA

La secuencia de apertura de The Fall del director Tarsem Singh es el ejemplo perfecto de un control absoluto de un director sobre su visión. Ver esta secuencia con detenimiento después de ver la película es un regalo; una cosa rara y hermosa. Surrealista, extravagante, y un mundo singularmente Tarsem. ¿Qué es lo hace sentir las cosas de esa manera?

Con la música de Beethoven la Sinfonía n º 7 en La mayor, op. 92 (2-Allegretto), los visuales recibido las notas cobran sentido en una rápida sucesión. El puente se convierte en un escenario y el telón se levanta con un caballo conforme la secuencia concluye. Es un sueño, y nosotros somos Dorothy, recordando a los jugadores.

TRAILER: "TESTAMENT OF YOUTH" DIR. JAMES KENT

ALICIA VIKANDER SUFRE PARA SOBREVIVIR A LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Desde que hizo la transición a las películas en idioma Inglés, Alicia Vikander ha hecho la construcción de un sólido CV, o al menos un salpicado de grandes películas. Tiene The Fifth Estate, Anna Karenina  y sus próximas películas The Man From UNCLE, Seventh Son, y de Derek Cianfrance Light Between Oceans, sólo para nombrar unos pocos. 

Más específicamente, ella tiene el drama  de la Primera Guerra Mundial Testament of Youth, que filmó la primavera pasada y la cual dirige James Kent y co-estrelarizan Kit Harington, Taron Egerton, Colin Morgan, Dominic West, Emily Watson, Hayley Atwell, y Anna Chancellor. Aquí está el primer trailer de Testament of Youth, la introducción es de una joven que narra su experiencia como enfermera de la Primera Guerra Mundial en un libro de memorias.

Por lo que sabemos, Testament of Youth llegará al Reino Unido en 2015; no hay fecha para Estados Unidos en este momento.

Testament of Youth es una historia ardiente de amor y de guerra. Basado en el clásico libro de memorias de la Primera Guerra Mundial, esta es la increíble historia real de la lucha de una mujer joven para sobrevivir a los horrores de la guerra, que le robó a todos y todo lo que ella más quería, pero al final no pudo romper su espíritu extraordinario.

Vera Brittain, incontenible, inteligente y de mentalidad libre, supera los prejuicios de su familia y su ciudad para ganar una beca para Oxford. Con todo para vivir, ella se enamora de un amigo cercano de su hermano Roland Leighton, ya que ir a la universidad para perseguir sus sueños literarios. Pero la Primera Guerra Mundial es inminente y los chicos se van para el frente. Vera da cuenta de que no puede quedarse de brazos cruzados mientras sus compañeros luchan por su país, por lo que se ofrece como voluntaria como una enfermera. Trabaja incansablemente, experimentando todo el dolor de la guerra y como uno por uno, su novio, su hermano y sus amigos más cercanos mueren y los pilares de su mundo se hacen pedazos. Pero con un espíritu infatigable, Vera sobrevive y vuelve a Oxford, irrevocablemente cambió, sin embargo, decidido a crear un mundo en el que esa guerra nunca podrá tener lugar de nuevo.

CARTA DE MARTIN SCORSESE A KODAK

EN APOYO AL MATERIAL FILMÍCO

La semana pasada se informó sobre un conjunto de directores que habían pedido a los estudios de cine ayudar a la maltrecha Kodak a mantener viva su división de imagen en movimiento de películas. Quentin Tarantino, Christopher Nolan, Judd Apatow, y JJ Abrams cabildearon con los estudios a seguir comprando stock de película, lo que llevo a un acuerdo en el que los estudios van a comprar una cantidad fija disponible cada año. Ahora Martin Scorsese también interviene con una carta que celebra al material fílmico como un medio creativo y de archivo. 

Carta de Scorsese a Kodak

Tenemos muchos nombres para lo que hacemos - cinema, películas, imágenes en movimiento. Y ... el cine. Somos llamados directores, pero más a menudo nos llaman cineastas. Cineastas. No estoy sugiriendo que ignoramos lo obvio: HD no viene, ya está aquí. Las ventajas son numerosas: las cámaras son más ligeros, es mucho más fácil de rodar de noche, tenemos muchos más medios a nuestra disposición para modificar y perfeccionar nuestras imágenes. Y, las cámaras son más asequibles: las películas realmente se pueden hacer ahora por muy poco dinero. Incluso algunos de nosotros aún filammos en HDcon look de cine, y nuestras películas se proyectan en HD. Así, podríamos estar fácilmente de acuerdo en que el futuro está aquí, que el cine es engorroso e imperfecto y difícil de transportar y propenso al desgaste y deterioro, y que es el momento de olvidar el pasado y decir adiós en realidad, eso se podría hacer fácilmente. Demasiado fácil. 

Parece que siempre estamos recordando que el cine es, después de todo, un negocio. Pero la película es también una forma de arte, y los jóvenes que se ven obligados a hacer películas deben tener acceso a las herramientas y los materiales que eran los componentes básicos de esa forma de arte. ¿A alguien se le ocurriría decirle a los jóvenes artistas a deshacerse de sus pinturas y lienzos porque las iPads son mucho más fácil de llevar? Por supuesto que no. En la historia del cine, sólo un minúsculo porcentaje de las obras que comprenden nuestra forma de arte no se dispararon en película. Todo lo que hacemos en HD es un esfuerzo para recrear el aspecto de película. Cine, incluso ahora, ofrece una paleta visual más rica que el HD. Y, tenemos que recordar que el cine sigue siendo la mejor y única prueba de tiempo para preservar películas. No tenemos ninguna garantía de que la informaciones digitales durarán, pero sabemos que la bondad de película, si se almacena adecuadamente y con los cuidados necesarios. 

Nuestra industria - nuestros cineastas - apoyan rápidamente a Kodak porque sabemos que no podemos darnos el lujo de perder, el archivo que hemos perdido de muchas otras película. Esta noticia es un paso positivo hacia la preservación de la película, la forma de arte que amamos.

7 MUJERES DEL CINE EXTREMADAMENTE VIOLENTAS

FACILMENTE PATEARIAN TU TRASERO...

¿Qué pasa cuando el día de una mujer es brutalmente perturbado? ¿qué ocurre cuando hombres perdidos y con el alma maldita, deciden violentar su cuerpo? Estas siete chicas dejan atrás el papel de la víctima y nos demuestran que cuando la mente femenina se lo propone, puede ser más cruel y sangrienta de lo que pensábamos. Acá el conteo de siete chicas que patearían tu trasero más de una vez, por venganza, por defensa e incluso por placer.

1. Samurai Princess, 2009

Un grupo de colegialas caminaba por los bosques cuando fueron atacadas y asesinadas por una banda de maleantes. Sólo una de ellas sobrevive, pero está gravemente herida. La joven es encontrada por un científico, de esos locos, quien le da un nuevo cuerpo androide/robot para que busque a sus violadores y, en medio de un festín sangriento y gore, los aniquile. Extremidades con sierras eléctricas, tobillos lanza fuegos, narices amputadas, todo un escenario absurdo de mutilación.

2. I Spit on your grave, 1978 y 2010 (remake)

Jennifer Hills, renta una cabaña cerca de un lago para escribir su primera novela. Cuando llega al pueblo, su cuerpo joven y hermoso, llama la atención de un grupo perverso de hombres en la estación de servicio, quienes finalmente la violan y la dañan para siempre. Terrible sorpresa con la que se encuentran una vez que la mujer, enfurecida y sádica, decide tomar venganza contra sus violadores de la forma más sangrienta posible, eso sí, después de haber pedido perdón en la iglesia por sus futuros planes de tortura.

3. You’re Next, 2013

Un grupo de enmascarados deciden irrumpir una casa y matar a todos. Tarea sencilla ya que comúnmente una familia no está entrenada para enfrentarse a locos asesinos, pero nunca imaginaron conocer a Erin. Desearían no haber entrado nunca en esa casa.

4. Death Proof, 2007

Mala decisión cuando “Stuntman” Mike decide hacer de Abernathy, Kim y Zoë, sus nuevas víctimas. Después de satisfacer su estúpido fetiche de velocidad y chicas mutiladas, “Stuntman” Mike cree que el grupo de mujeres que se divierten en el cofre de un Dodge Challenger 1970, será también objeto de placer. Todo sale mal para él cuando las tres mujeres a punta de puñetazos, patadas y golpes con largos tubos de metal, deciden defenderse.

5. Kill Bill, 2003 (vol. 1) y 2004 (vol.2)

Otra de Quentin Tarantino. “La Novia“(Beatrix Kido), después de saberse embarazada decide dejar el mundo del asesinato a sueldo. Un enfurecido Bill, su jefe y amante, manda a sus mejores asesinos a matarla el día de su boda con otro hombre. Por supuesto que, cuando fallan en su misión, Beatrix vuelve para saciar su sed de venganza en contra de todos los malditos que la atacaron y, como la cereza el pastel, su destino final será en contra de Bill.

6. Hard Candy, 2005

Cuidado con la gente que conoces por internet, especialmente si eres una joven e ingenua muchachita, ¿o no? La bella y aparentemente inocente Hayley Stark, estelarizada por Ellen Page, nos muestra cómo, a veces, la dulce niña podría resultar ser una lunática psicópata que te torturará con la idea de la castraciónamateur y la muerte.

7. Lady Snowblood, 1973

Una mujer es atacada y violada, su esposo y su hijo son asesinados. Ella se venga de uno de sus captores y va a prisión, en donde se embaraza de un guardia y pide a sus compañeras que críen al bebé para la venganza. Así naceYuki, una máquina del mal que mutilará con sable y de la forma más sangrienta posible a los asesinos y violadores que atacaron a su madre y a su familia.

TRAILER: "EL LIBRO DE LA VIDA" DIR. JORGE GUTIÉRREZ

NUEVO PROYECTO COMO PRODUCTOR DE GUILLERMO DEL TORO

El próximo 17 de octubre se inaugurará en las salas estadounidenses "El Libro de la Vida", la nueva película donde el cineasta mexicano Guillermo del Toro participa como productor.

Esta semana, la casa realizadora Reel FX Creative Studios difundió una serie de imágenes del filme animado en tercera dimensión (3D). El director de la cinta es el también animador e ilustrador mexicano Jorge Gutiérrez.

"El Libro de la Vida" está llena de imágenes del folclor mexicano, con énfasis especial en el Día de Muertos. Del Toro aceptó ser el productor porque, dice, quedó enamorado de los dibujos que le presentó Gutiérrez una noche de borrachera, donde bebieron "un mar de tequila".

LAS ACTRICES QUE MÁS DINERO GANARON EN 2013

FORBES PONE A SANDRA BULLOCK Y JENNIFER LAWRENCE A LA CABEZA

No sabemos lo mucho que has ganado en el último año, pero es muy seguro que mucho menos de estas diez actrices de Hollywood. Sandra Bullock encabeza la lista con impresionantes 51 millones dólares, pero de los números 2 al 10 no lo hacen demasiado mal para ellas tampoco. ¿Puedes adivinar quiénes son? Averiga quiénes son las actrices mejor pagadas de 2013. 

Aquí está la lista completa de los ingresos de las principales actrices del año de Forbes.com. Las cifras próximas a cada nombre son el total de las ganancias de la estrella estimadas entre junio de 2013 y junio de 2014, incluidos los cheques de pago de películas, contratos de patrocinio, y más. "Los impuestos, honorarios del agente o los otros costos de ser una celebridad" no fueron tomados en cuenta.

2013 Las actrices mejor pagadas de Forbes 

Sandra Bullock - $ 51,000,000 

Jennifer Lawrence - $ 34 millones 

Jennifer Aniston - $ 31 millones 

Gwyneth Paltrow - $ 19 millones 

Angelina Jolie - $ 18 millones 

Cameron Diaz - $ 18.000.000 

Scarlett Johansson - $ 17 millones 

Amy Adams - $ 13 millones 

Natalie Portman - $ 13 millones 

Kristen Stewart - $ 10 millones 

En primer lugar: Mierda, eso es mucho dinero. Yo no podía esperar hacer en toda una vida lo que Bullock hizo el año pasado. 

Tan grande como estos números son, sin embargo, son (por desgracia, como era previsible) más pequeños que los de mejor pagadas actores masculinos de Hollywood. ¿Si las listas se fusionaran, Bullock sería # 3 detrás de Dwayne Johnson (52 $ millones) y Robert Downey Jr. ($ 75 millones), pero por delante de Bradley Cooper ($ 46 millones). Lo que no suena tan mal, pero las cifras para las actrices tienden de caer demasiado después de eso. 

En segundo lugar Jennifer Lawrence se ubicaría justo debajo de Ben Affleck y Christian Bale, números 7 y 8 en la lista de los hombres. Ninguno de los otros top-10 de las actrices se acerca en absoluto. Mujer # 10 Kristen Stewart hizo $ 12 millones el año pasado, sólo una fracción del negocio del # 10 Mark Wahlberg del sexo masculino el cual hizo ($ 32 millones). En total, estas diez mujeres se llevaron en 226 millones dólares en contra de la de los hombres que combinado es de  $ 419.000.000. 

Una cosa que las listas definitivamente tienen en común, sin embargo, es poderosa presencia de Marvel. Las lista de los hombres incluye dos estrellas de Marvel y uno (en ese entonces) futura estrella de Marvel; las mujeres incluye tres actrices Marvel. Si bien el estudio es notoriamente basico en algunas cosas, esos contratos Marvel pagan generosamente a sus estrellas. 

Aún así, los deprimidos por el, estado macho-centrico de la industria de las películas moderna no tiene por qué sufrir demasiado. Bullock ganó $ 51 millones en una gran parte por protagonizar Gravity que fue la octava película más taquillera del año pasado a pesar de ser exactamente el tipo de película que la "sabiduría convencional", insiste, no va a ganar dinero.

GANADORES DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GUANAJUATO

"TODOS ESTAMOS MUERTOS" LA GRAN GANADORA

El Festival Internacional de Cine de Guanajuato 2014 llegó a su fin el pasado domingo, 3 de agosto. 

Los actores Ximena Ayala (Los insólitos peces gato) y Gustavo Sánchez Parra (Amores Perros) llevaron a cabo la ceremonia de clausura en el Auditorio del Estado, en el que el festival concedió premios a varias películas, tanto internacional como mexicanas. Durante la gala, el director del festival, Sarah Hoch, dio el anuncio de que en la edición de 2015 Turquía va a ser el país invitado.

El primer premio para una película mexicana fue para Beatriz Sanchís película debut "Todos Estan Muertos", mientras que el veterano del circuito de festivales Nicolás Pereda se llevó a casa el premio al Mejor Documental Mexicano para El Palacio (El Palacio). "Los hámsters" fue premiada como la mejor película según la prensa. 

Esta es la lista de los ganadores: 

Mejor ópera prima mexicana 

Todos Están Muertos (dir. Beatriz Sanchís, México-España) 

Mejor Ópera Prima Internacional 

Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis, Francia) 

Mejor Documental Internacional 

Virunga (dir. Orlando von Einsiedel, Reino Unido) 

Mejor Documental Mexicano 

El Palacio (El Palacio, dir. Nicolás Pereda, México, Canadá) 

Mención de Honor (Documental Mexicano) 

VideoHome (dir Emiliano Rocha, México) 

Premio de la Prensa 

Los Hamsters (Gilberto González, México) 

Concurso Nacional de Guión 

Cortometraje: Animal (Dir Victoria Ponce) 

Largometraje: Harvest Orange (Dir Luis Horacio Pineda) 

Sexto Rally Universitario 

Cerillito Summer (dir. Fabián de León) 

Premio del Público (Rally Universitario) 

Goes and Runs (dir. Manuel Rodarte) 

GIFF Hack (dedicada a proyectos de innovación tecnológica) 

Proyecto "ENTI" (por el equipo Nzuri Tabya) 

Premio La Musa (Mujeres en el cine y la televisión) 

Crocodile (Dir. Gaelle Denis, Reino Unido) 

Mejor Cortometraje de Guanajuato 

The Call (dir. Laura Zacanini, Francia-México-Canadá-Colombia) 

PELÍCULAS QUE NOS HAN MOSTRADO LA MANERA DE LLEGAR A MARTE

EN LA CARRERA ESPACIAL EL CINE LLEVA UNA GRAN VENTAJA

Este mes, la NASA twitteó una gran muestra de optimismo sobre el futuro de la exploración espacial. "Primero, la idea de que los seres humanos lleguen a Marte esta viva hoy" La declaración fue seguida de un enlace a lo que ellos llaman la "Next Giant Leap", un plan y la compilación de sus misiones previstas durante las próximas décadas que culminarán en un viaje tripulado al planeta rojo. El tweet, sin embargo, puede no referirse necesariamente a los seres humanos de América o una operación de la NASA. Con los Emiratos Árabes Unidos anunciaron, también este mes, que estarán enviando una misión no tripulada a Marte en 2021, y con al menos Japón, China, India, Rusia y la Agencia Espacial Europea, actualmente involucrados en la exploración del planeta, estamos por experimentar una nueva carrera espacial. 

¿Vamos a ver humanos en Marte por la década de 2030 como propone la NASA? O incluso en el curso de la vida de los recién nacidos de hoy como fue prometido en las redes sociales? La respuesta no se conocerá hasta entonces, obviamente. ¿Cómo se logrará ese viaje aún ni siquiera es seguro. Pero tal vez las películas pueden ayudarnos con opciones de transporte. 

Durante más de un siglo, el cine nos ha proporcionado historias del hombre que viaja a Marte. Muchas de ellos fueron estrenadas en tiempos inocentes en lo que se refiere a los conocimientos, tanto del planeta y la exploración espacial, y son bastante absurdas. Sin embargo, a diferencia de los alunizajes en las películas (que tienen una contrapartida real para comparar) no hay realmente ninguna manera de saber aún lo que es totalmente creíble. Algunos ejemplos que son actualmente conocidos o por lo menos se cree son realmente verosímiles, pero hasta cierto punto, todas las misiones a Marte que hemos visto en la pantalla grande son probablemente erróneas. Así que toma los siguientes métodos (repartidos en 13 películas), cada uno con un grano de la sal de igualdad, independientemente de si parecen totalmente ridículas o totalmente convincentes. 

A Trip to Mars (1910)

Himmelskibet, aka A Trip to Mars (1918)

Conquest of Space (1955)

Just Imagine (1930)

Santa Claus Conquers the Martians (1964)

Capricorn One (1977)

Total Recall (1990)

RocketMan (1997)

Doom (2005)

TRAILER: "THE NOVEMBER MAN", DIR. ROGER DONALDSON

PIERCE BROSNAN RECUERDA A JAMES BOND

A pesar de que Pierce Brosnan sólo hizo cuatro películas de James Bond, y tal vez sólo una buena, él siempre va a estar conectado con el personaje. Cada vez que juega un papel con ningún tipo de conexión con Bond, se siente como una nueva aventura de 007. The Thomas Crowne Affair y After the Sunset son dos ejemplos y ahora hay una tercera: The November Man.

Dirigida por Roger Donaldson (Especies, Cocktail), cuenta la historia de un hombre de la CIA retirado (Brosnan) forzado a entrar en acción cuando hay una amenaza inminente (Olga Kurylenko). Por una extraña vuelta de tuerca se convierte en el blanco de las personas que alguna vez había jurado proteger hace.

Basado en la serie de libros The November Man por Bill Granger, The November Man se estrena el 27 de Agosto en Estados Unidos.

Dirigida por Roger Donaldson, las estrellas de The November Man Pierce Brosnan, Luke Bracey, Olga Kurylenko, Eliza Taylor, Caterina Scorsone, Bill Smitrovich y Will Patton. Está escrito por Michael Finch y Karl Gajdusek, basado en el libro There Are No Spies por Bill Granger.

Sinopsis

Con el nombre The November Man »; Peter Devereaux (Pierce Brosnan) es un ex agente de la CIA extremadamente peligroso y altamente capacitado, que se vio obligado a salir de su retiro tranquilo en una misión muy personal. Debe proteger a testigos valiosos, Alicia Fournier, (Olga Kurylenko), que podrían exponer la verdad detrás de una conspiración de décadas de antigüedad. Pronto descubre que esta asignación lo convirtió en blanco de su antiguo amigo y protegido de la CIA David Mason (Lucas Bracey). Con crecientes sospechas de hay un topo en la agencia, Devereaux no puede confiar en nadie, no hay reglas.

TRAILER: "BENDING THE LIGHT" DIR. MICHAEL APTED

UN BELLO ACERCAMIENTO A LA CREACIÓN DE IMAGEN EN MOVIMIENTO

La nueva película de El aclamado documentalista Michael Apted "Bending The Light" es una exploración del arte y la artesanía detrás de las fotografías y películas que amamos. De los creadores de las lentes de la cámara a los fotógrafos y cineastas que las utilizan para crear el arte de miramos y ver a diario. Bending The Light está tratando de abordar un tema mucho más amplio que el documental de 1992 Visions of Light  (que me encanta). A continuación el trailer completo Bending The Light.

Bending the Light Trailer from Bending the Light on Vimeo.



Sinopsis:

Del aclamado director Michael Apted (The ‘Up’ series, Masters of Sex, The World is Not Enough) viene Bending The Light, una celebración del arte de la cinematografía y la fotografía. Un viaje de vidrio, la película explora la relación entre los artesanos que fabrican las lentes de las cámaras de manera artesanal y los maestros de la luz que usan estos lentes para conseguir su arte. Bending The Light cuenta con escenas nunca antes vistas desde el interior de una fábrica de lentes japonesa de primer nivel y entrevistas íntimas con galardonados fotógrafos y cineastas Greg Gorman, Laura El-Tantawy, Richard Barnes, y Stephen Goldblatt, ASC.

Bending The Light se estreno 03 de Agosto 2014 en el Festival de Cine de Traverse City de Michael Moore. Es muy probable que la película va a estar recorriendo el circuito de festivales de cine por un tiempo, así que muy seguramente la podremos ver en algún punto.

J. J. ABRAHAMS, CHRISTPHER NOLAN Y QUENTIN TARANTINO MANTIENEN LA PRODUCCION DE MATERIAL FILMICO

LA NOSTALGIA AYUDARÁ A CONSERVAR UNA PARTE IMPORTANTE DEL QUEHACER CINEMATROGRÁFICO

La película no está muerta. Está pasando por un momento difícil, pero esa combinación de poliéster y emulsión que registra la luz con una cálida y natural sensación todavía tiene sus adeptos. Y esos acólitos, incluidos los principales actores de la industria de cine como Quentin Tarantino, Christopher Nolan, y JJ Abrams, están haciendo su parte para mantener una relación comercial activa entre los estudios y Kodak.

Ahora, revelaciones recientes muestran que los estudios, empujados en parte por los realizadores mencionados a la cabeza, han llegado a un acuerdo con Kodak para comprar una cierta cantidad de película cada año, lo que permite la producción de cierto stock de película para continuar.

Kodak es la última empresa productora de película cinematográfica, en cualquier cantidad que sea útil para los estudios a gran escala de la cinematografía, y con las ventas de película cayendo por un precipicio en la última década, pasando de 12,4 mil millones de pies de película que se vendida en 2006 a 449 millones en lo que va del año, Kodak estaba a punto de cerrar su planta de fabricación en Rochester, NY.

El Wall Street Journal informa sobre el acuerdo, y tiene un tesoro de grandes datos. El tema más interesante es que se habla de un acuerdo de conservación de stock, los estudios se han comprometido a comprar la película, independientemente de cualquier intención de usarla. Es de suponer, sin embargo, que con existencias disponibles en los estudios, cineastas como Tarantino, Nolan, Abrams, y Judd Apatow, quien también está en la lista, la pondrán en uso.

Estos directores presionaron a los ejecutivos de los estudios para hacer un trato con Kodak.

Bob Weinstein cita,

Es un compromiso financiero, no hay duda al respecto. Pero no creo que pudiéramos mirar algunos de nuestros cineastas en los ojos si no lo hacemos.

Los estudios que acordaron con Kodak incluyen no sólo a The Weinstein Company también Warner Bros., Universal Pictures, Paramount Pictures y Walt Disney Co.

Independientemente de si las nuevas películas se hacen en material cinematográfico, el medio también es el más útil para la conservación de películas. Como forma de archivo, el digital es inestable y no probado a muy largo plazo, mientras que la película, correctamente almacenada, se sabe que tiene una larga vida como archivo.

Nolan hizo Interestelar en película cinematográfica, mientras que JJ Abrams está rodando actualmente Star Wars Episodio VII también en película cinematográfica. En un artículo del Wall Street Journal por separado, dijo,

En realidad soy un gran fan de la tecnología digital también. Aprecio la forma en que la tecnología abre las puertas para los cineastas que nunca tuvieron acceso a ese nivel de calidad antes. Sin embargo, creo que la película en sí establece el estándar de calidad. Se puede hablar de gama, la sensibilidad a la luz, resolución - hay algo en la película que es de indudable belleza, innegablemente orgánica, natural y real.

Yo diría que la película marca la pauta y una vez que ya no está disponible, la capacidad de discernir el punto de referencia se va a perder. De repente, uno se queda con lo que es, en muchos casos, en perfecto estado, pero no necesariamente el mejor, el más cálido, las imágenes más ricas y detalladas.

Y mientras Abrams reconoce que incluso sus películas que son capturadas en acción en película tienen más tarde muchos efectos digitales añadidos, él es cauteloso de "perderse en un mundo digital" Él dice,

Realmente tengo que mantenerme lejos de eso, especialmente con 'Star Wars', que quiero sentir que es parte de otra época.

TRAILER: MÁS NEGRO QUE LA NOCHE DIR. HENRY BELDWELL

Y EN EL TERROR SIEMPRE EL CLICHÉ

La cinta Más Negro que la Noche (2014) cuenta la historia de Greta, una joven huérfana que se convierte en la única heredera de su tía Ofelia, quien le hereda una casona y dinero suficiente para llevar una vida holgada.

Dirigida por Henry Bedwell, este filme es una adaptación de la obra que dirigió y escribió en 1975 Carlos Enrique Taboada. Este remake busca mantener la esencia de la primera versión, un clásico del cine mexicano; sin embargo, utiliza elementos típicos de una película de este género, convirtiéndose sólo en una cinta plagada de clichés: un gato negro, la casa embrujada y la tétrica ama de llaves que lo sabe todo.

A pesar de que Más Negro que la Noche no es una propuesta innovadora, la música y la narrativa cinematográfica sí logran el cometido de hacer saltar a las audiencias en su butaca.

La supervisión musical de Lynn Fainchtein propone un soundtrack moderno que deja en claro que no es necesario recurrir a la ambientación sonora tradicional en una producción mexicana de terror.

Otro elemento que atrapa al espectador es la ambientación cinematográfica y los recursos musicales, un conjunto de elementos que son maximizados con el formato en 3D.

La actriz mexicana Zuria Vega, quien encarna a Greta, tiene el reto de interpretar a una protagonista ingenua que a lo largo del filme se resiste a ceder ante el peligro que representa su estancia en la casa, por lo que el personaje es predeciblemente encaminado a la tragedia.

SE MOSTRARA INTEGRA LA VERSIÓN DE NYMPHOMANIAC EN VENECIA

NADA QUEDARÁ OCULTO

El director danés Lars von Trier tendrá la posibilidad de exhibir ante el público del Lido la versión íntegra de Nymphomaniac: Volume 2, que se estrenará a escala mundial en el 71º Festival Internacional de Cine de Venecia, cuya celebración tendrá lugar entre el 27 de agosto y el 6 de septiembre. Aunque la película se proyectará fuera de competencia, la contrapartida será que los asistentes verán también si lo desean el director’s cut de Nymphomaniac: Volume 1, cuya primera versión se estrenó en Berlín. De esta forma, el público de la Mostra tendrá una oportunidad única de ver la versión de cinco horas y media de la épica erótica de von Trier.

En Nymphomaniac, la actriz francesa Charlotte Gainsbourg desempeña el papel de ninfómana confesa de 50 años y describe sus experiencias eróticas al hombre (el actor sueco Stellan Skarsgård) que la encuentra en un callejón oscuro tras haber sido golpeada. Al elenco de estrellas se suma Shia LaBeouf, Christian Slater, Jamie Bell, Uma Thurman y Connie Nielsen.

La producción en dos partes fue estrenada en un programa doble en Dinamarca el 25 de diciembre del año pasado, en una versión de cuatro horas, que el director ha afirmado no haber visto. El montaje final lo dejó en manos de Molly Malene Stensgaard. La agencia de ventas internacional danesa TrustNordisk, ha otorgado la licencia para la proyección de la película en más de 50 países, la mayoría en Europa y también en EE. UU.

La 12ª película del director contó con la producción de Louise Vest para Zentropa Entertainments, con Bettina Brokemper para Zentropa-Köln, con Marianne Slot paraSlot Machine-Paris, con Bert Hamelinck para Caviar-Bruxelles, con Arte France Cinémay con el centro regional de cine sueco Film i Väst. En Dinamarca, Gainsbourg ganó el Premio Bodil a la mejor actriz, otorgado por la Asociación Nacional de Críticos de Cine de Dinamarca. Además, la película vendió más de 50.046 entradas tras su distribución de la mano de Nordisk Film Biografdistribution.

LOS LARGOMETRAJES DE ANTON CORBIJN

UN NUEVO DIRECTOR DE GRANDES LIGAS

Con tres largometrajes en su carrera –uno de ellos, El hombre más buscado (A Most Wanted Man, 2014), todavía por estrenarse–, Anton Corbijn ha creado una obra que aunque no la hemos visto la critica la denomina como casi magistral, pero consistente en sus temas y su belleza fotográfica. Las cintas de Corbijn son una efectiva amalgama de contemplación y dramatismo, que se observa con mayor claridad en su manera de editar. La expectativa más recurrente al rededor de un fotógrafo convertido en cineasta es hacer perceptible el tiempo, pero Corbijn aprendió de su experiencia dirigiendo vídeos musicales que la estática captura el tiempo no el ritmo. Las tomas largas permiten explorar la imagen; las cortas, discernir sobre su ritmo y el espacio. La edición y el movimiento de la cámara generan una tridimensionalidad que la fotografía nos niega pero que Corbijn asume como parte esencial de la creación cinematográfica. Sin movimiento no hay cine.

En su segundo largometraje, El ocaso de un asesino (The American, 2010), Corbijn utiliza una estética más quieta en las primeras imágenes, que reflejan la calma de su protagonista, Jack (George Clooney), y conforme se enturbia la historia, se hacen más inestables. En esta cinta, Corbijn ocupa mayor subjetividad visual en comparación de Control (2007), donde la expresión del interior de Ian Curtis recae en la narración y la actuación de Sam Riley. Por supuesto, el blanco y negro es una elección que responde a la naturaleza introspectiva de un joven solitario y destructivo, pero también a una preferencia personal. A lo largo de su carrera como fotógrafo de U2 y Depeche Mode, Anton Corbijn le dio una estricta preferencia al blanco y negro. Desde estos trabajos se percibe una fascinación por la distancia, la fragmentación del objetivo y la sombra. La única sorpresa al respecto de Control fue su éxito a pesar de la corrosiva imagen de un Ian Curtis, muy lejos de complacer a los fans.

La historia del cantante de Joy Division se presta al estilo de Corbijn porque el carácter de Ian exige el abrigo de la oscuridad, que resalta sus escasas sonrisas donde los demás personajes se ven consumidos. Ian, como lo muestra Corbijn, se condena a sí mismo a la muerte, y a sus seres queridos a la pérdida, de manera similar a Jack, en El ocaso de un asesino (The American, 2010). La distinción entre ambos radica en la voluntad de vivir, disipada en Ian, y rechazada en Jack. Son parásitos melancólicos en busca del cambio, pero perseguidos por la inevitable consecuencia. Ian reflexiona en sus canciones sobre el temor y la desesperación, y en la última carta a su amante, Annik (Alexandra Maria Lara), lamenta la imposibilidad de olvidar errores de cuatro o cinco años antes, cuando se casó siendo todavía un adolescente, pues su familia se manifiesta a diario como una evidencia ineludible de su costosa elección.

Después de que Jack, en El ocaso de un asesino (The American, 2010), tiene que matar a la mujer con quien vive en una cabaña, Pavel (Johan Leysen) le advierte: “No hagas amigos, Jack, solías saber eso”. El pasado, en el cine de Corbijn. En el abandono y la pérdida, Corbijn encuentra la disolución de la vida. La muerte es una ausencia y una huida. ¿Hacia qué? Corbijn no se lo pregunta; su interés se concentra en el mundo material, donde la soledad es una tortura constante que se rompe junto con la existencia. La vida, sin embargo, no es en sí horrible. Es la experiencia de hombres que han elegido mal lo que ahuyenta a una simbólica mariposa o complica una separación. Corbijn no pretende asustarnos de la vida; él nos advierte de la consecuencia y el significado de los actos, que por más que un hombre insista en aislar de los demás, siempre repercuten como balas perdidas.

TRAILER: "INTO THE WOODS" DIR. ROB MARSHALL

UN MUSICAL SIN CANCIONES EN EL TRAILER

Todo el mundo ama a los musicales, ¿no?. Sigamos adelante y digamos que todo el mundo ama los musicales. Pero hay una salvedad a este hecho, un musical es sólo cálido y amable si sabe explícitamente que se está viendo un musical. Digamos que pones lo que piensas es una película ordinaria - vamos a ir con Blade Runner - Y de la nada Rutger Hauer entona una canción "Buques al Ataque! En llamas más allá de Oriiiiiiiiiiiiiiooooooooon! ", Mientras un coro de Harrison Ford se escucha tenue al fondo. Eso de seguro correría mucha gente fuera del cine (aunque para que conste, pagaría cualquier suma de dinero para presenciar tal cosa). 

Sin embargo, Into the Woods acaba de jugar esta maniobra. El primer trailer de la película del cuento de hadas aparentemente ordinaria, de Rob Marshall ha llegado por fin, y está repleto de todo tipo de burlas a la fantasía tradicional. Una niña en una capucha roja salta alegremente en un bosque salvaje y extremadamente inseguro. Un niño sube varios pisos de altura a un árbol sin ningún equipo de seguridad visible. También hay una bruja, un lobo-cosa, una Rapunzel y Maléfica enmedio de espinas de rápido crecimiento. 

Lo único que falta es la única cosa definiría a Into the Woods como musical: canciones. Echa un vistazo a este extraño trailer sin canciones. 

Obviamente, hay algunas pistas que Into the Woods es un musical. Por un lado, Into the Woods, que era originalmente un musical de 1986 de Stephen Sondheim, que pegó un par de cuentos de hadas de los hermanos Grimm sobre la historia de un panadero, su mujer y su lucha para concebir un bebé. Marshall es ahora "el director de Chicago," y el productor Marc Platt es "el productor de Wicked." Luego está Anna Kendrick, mejor conocida por Pitch Perfect, que pasa su tiempo breve de este trailer como una Cenicienta que se tambalea al borde de un musical.

TRAILER: INTERSTELLAR DIR. CHRISTOPHER NOLAN

MATTHEW MCCONAUGHEY SUFRE DE NUEVO

A continuación el ultimo trailer de "Interstelar" de Christopher Nolan: Matthew McConaughey, el cual va a llorar mucho en esto. La estrella de la próxima película de ciencia ficción en el espacio de Nolan, se llena de lágrimas en el primer teaser de la película. Esta vez, sin embargo, parece que está llorando en el espacio. 

Este nuevo trailer nos da una visión mucho mejor y más amplia del material espacial de Nolan donde McConaughey aparentemente lloran a cada paso que da. Es muy lógico y comprensible, cuando usted decide ir a salvar al mundo y dejar a su familia en el proceso puede que se ponga un poco emocional en el proceso.

En ultima instancia vemos a McConaughey como ingeniero encargado de ayudar a salvar el mundo (tonos de Armageddon aquí, favor de poner su sana distancia). Resulta que el mundo se encuentra en medio de una sequía grave  lo que se hizo evidente en este último trailer a través de un montón de grandes, enormes nubes de polvo - y un equipo enviado al espacio (y, presumiblemente, a través de un hoyo negro de algún tipo) para ayudar a salvar el planeta.

A partir de ahora, (probablemente a propósito) no está claro en lo que consistirá  este viaje . ¿Van los viajeros hacia atrás en el tiempo para arreglar algo? ¿Van al pasado de la Tierra? ¿A Otro planeta? ¿Otra galaxia? Aunque Michael Caine nos dice en voz en off que nada "en nuestro sistema solar" nos puede ayudar, es posible que eso es solo un poco de cebo para el cambio? ¿Un hoyo negro? ¿Por qué un hoyo negro? ¿por qué no el viaje espacial regular?.