TRAILER: "STARRING ADAM WEST"

EL REGRESO DE ADAM QUEST

Hay una escena divertida en "Neighbors" donde dos tíos borrachos discuten sobre cual actor es el Batman definitivo. Para Seth Rogen de treinta y tantos, es Michael Keaton de Batman y Batman Returns. Para el niño del colegio Zac Efron, es Christian Bale en las películas de Christopher Nolan. Y en el futuro, para los niños aún más jóvenes que eso, podría muy bien convertirse en Ben Affleck llegando hasta Henry Cavill en Batman vs Superman: Dawn of Justice. 

Sin embargo, para una parte considerable de la población, Batman siempre ha sido y siempre será Adam West de la serie televisiva de los años 60. Aunque han pasado décadas desde que terminó el programa, él sigue siendo un icono entre los fans de los superhéroes. El nuevo documental "Starring Adam West" es todo acerca de su carrera, de su rápido ascenso y a la igualmente rápida decadencia, y su legado duradero.

Es un poco gracioso que Starring Adam West debe salir al mismo tiempo que Birdman de Alejandro González Iñárritu. Esa película ofrece una versión mucho más sombría, más surrealista de la vida post-superhéroe, con otro ex Batman (Keaton) jugando un actor deslavado que se hizo famoso tocando una figura tipo Batman.

Para bien y para mal, Batman define a West. Eso le llevó a la fama de repente, pero estaba tan encasillado que luchó demasiado para encontrar un éxito similar después. Finalmente, se abrazó a su imagen pública. Repitió el papel de Batman para diversos programas especiales de televisión y apariciones como invitado, y jugó versiones exageradas de sí mismo en programas como Family Guy. En el trailer por encima de algún indicio, parece muy contento con el trabajo de su vida hoy en día.

Starring Adam West hizo ronda por festivales a principios de este año y ahora está disponible a través de Starz, según el sitio web oficial.

Sinopsis

En 1966 Adam West estaba en la cima del mundo. El granjero de Walla Walla estaba en un ascenso meteórico a la fama como la estrella de la serie de ABC Batman. Pero después de tres temporadas, la serie fue cancelada, dejando a West encasillado como el Cruzado Enmascarado. Pero Adam West nunca se rindió. A través de los años buenos y en los malos, continuó su pasión, dedicarse a su oficio, y la lucha su camino de regreso. "Starring Adam West" es la historia de un sobreviviente de Hollywood, un hombre de familia, y los fieles seguidores que no se detendrán ante nada para ver su súper héroe justamente recompensado con una estrella en el Hollywood Walk of Fame.

TRAILER: "THE HUMBLING" DIR. BARRY LEVINSON

AL PACINO ABRAZA EL CAOS DE SER UN ACTOR DE EDAD AVANZADA

Al Pacino aparece en dos películas grandes del festival de este año: de David Gordon Green "Manglehorn", y "The Humbling" de Barry Levinson. Pacino interpreta a un actor de edad, que se embarca en una aventura con una mujer más joven (Greta Gerwig) después de que él tiene una avería menor. OK, no es quizás uno de esos problemitas menores. 

Si eso suena que tiene ser realmente material de Woody Allen, Tenga en cuenta que la película es una adaptación de la novela de Philip Roth, que casi podría considerarse doble literario de Allen. Pacino recogió derechos de la novela, se reunió con Levinson, su director de "You don´t know Jack", y consiguió a Buck Henry y Michal Zebede para el guión. 

"The Humbling" sólo se estrenó en Venecia, y tendrá su estreno en América del Norte pronto en TIFF. Aquí hay información de la TIFF relato:

Sinopsis:

Un actor viejo y podrido (Al Pacino) tiene su mundo al revés después de que se embarca en una aventura con una mujer mucho más joven (Greta Gerwig), en esta adaptación de una novela de Philip Roth, del director Barry Levinson (Rain Man, Bugsy, La cortina de humo).

Dedicar la propia vida a la actuación es vivir siempre en el espacio entre la realidad y la ficción. Y como la vida de Simon Axler (Al Pacino, que también aparece en el Festival en Manglehorn) llega a su desenlace, ese espacio se pone más borroso con cada día que pasa. Una vez que una actriz universalmente aclamado, el ahora sexagenario Simon ha caído de la gracia - literalmente. Después de aventarse directo en el foso de la orquesta en medio de una actuación, que se desliza dentro de una depresión intensa, y muy posiblemente la demencia, lo que lleva a un hechizo en un centro psiquiátrico. Tras su liberación, acuerda continuar la terapia y jura que va a renunciar a la actuación. Pero Simon siempre está actuando, siempre calificar su "performance" en el teatro de la vida cotidiana. Es sólo cuando se encuentra en un romance poco probable mucho más joven (Greta Gerwig), la hija de unos viejos amigos - y hasta ahora una lesbiana - que Simon parece estar de vuelta. ¿O es él?. Todo el mundo es un escenario, a continuación, Simon parece estar perdiendo su control sobre quién juega qué papel.

10 PELÍCULAS QUE NOS PUEDEN ENSEÑAR TODO SOBRE LA EDICIÓN

LOS MAESTROS DEL MONTAJE NOS MUESTRAN EL CAMINO

La edición es un proceso de selección. A veces, cientos de horas de material de son filmadas, y sólo se terminan viendo en torno a dos horas. Es también un lenguaje que tiene sus reglas. Cuando se hace mal puede causar aburrimiento o, peor aún confusión. 

La importancia de la edición no puede ser subestimada. De acuerdo con los escritores de cine aclamados David Bordwell y Kristin Thompson, la típica película de Hollywood tiene entre 1.000 y 2.000 emplazamientos que se han cortado juntos. Para las películas de acción, esa cifra puede subir dramáticamente a 3000 emplazamientos distintos. Para esta lista, he incluido un clip para una gran selección de películas que pueden enseñarnos mucho sobre la edición de películas. 

Este artículo ha sido escrito con la esperanza de inspirar a regresar a algunas de sus propias escenas favoritas, en sus propias películas favoritas, para que pueda deconstruir y analizar la forma en la edición de la película ha ayudado a diseñar un momento cinematográfico perfecto. 

1. Battleship Potemkin (1925)

El director, Sergei Eisenstein, es famoso por la creación de películas que carecían de las características convencionales y los personajes centrales. En lugar de ello, sus películas crean momentos muy emocionales para que el público se enganche. Estos momentos son montados en montajes que contienen imágenes yuxtapuestas que transmiten energía y entusiasmo.

En El acorazado Potemkin, Eisenstein está tratando de fomentar la idea de un mal gobierno zarista. Como resultado de ello se nos muestra imágenes que el público pueda entender y ser horrorizado: recibir un disparo por un niño y luego ser pisoteado, protestas, un cochecito de un bebé rodando por los escalones, soldados opresivas, etc ¡Es importante recordar que Eisenstein no estaba tratando de reflejar la realidad; la masacre de Odessa nunca ocurrió, y la secuencia es de siete minutos de duración, mientras que en la vida real que tomaría menos de la mitad del tiempo a correr por las escaleras.

La escena concluye con un querubín de piedra y el león que aparece a venir a la vida (tres emplazamientos distintos de ambas estatuas en diferentes posiciones da la impresión de que van de estar sentado inmóvil al pie y listo para la acción). Estas imagenes, editadas junto al Potemkin y contra edificios zaristas, transmiten que es hora de levantarse contra los opresores.


2. Casablanca (1942)

Un ejemplo claro de edición clásica, en primer lugar, orientar al público mediante la creación de relaciones espaciales. Esto se puede lograr simplemente por coincidencia. En esta escena de Casablanca, Rick (Humphrey Bogart) y el Capitán Louis (Claude Rains), ambos se establecen dejando la cámara detrás del hombro de Louis viendo a Rick sentado en un escritorio. En la foto, podemos ver los ojos de Rick mirando al capitán. Después de la primera edición que estamos ahora mirando directamente al capitán, por lo que el público sabe que estamos mirando a través de los ojos de Rick.

La escena avanza, durante la conversación, haciendo que el cambio de ángulo de la cámara con frecuencia (pero siempre sabemos qué perspectiva que estamos buscando). Cuando la cámara muestra un personaje mirando a otro, y luego se muestra el contador-shot desde el punto de vista del otro personaje, se le conoce como contraplano disparado. La técnica de tiro contraplano es una piedra angular de la edición clásica.

A medida que la conversación se acerca, se introducen dos nuevos ángulos. El primer ángulo establece que la posición del capitán ha cambiado. El segundo ángulo permite la entrada de un tercer personaje (si hubiéramos simplemente ha dado un primer plano de este tercer personaje que entra, que no hemos sabido dónde en la habitación que había entrado desde).

A pesar de que ya no estamos mirando a través de los ojos de un personaje, no estamos desorientados por la edición. Esto es debido a la edición sigue la regla de 180 grados. Desde el disparo de salida, el capitán Louis está a la derecha, y Rick está a la izquierda. Esta configuración se mantiene durante toda la escena hasta que veamos el capitán Louis caminar fuera de la oficina, pasando por Rick. Una vez que una línea de 180 grados se ha establecido en una escena, nunca debe ser rota - de lo contrario parecerá accidentalmente como personajes han intercambiado sus posiciones.



3. Psycho (1960)

Editar eficientemente puede ser muy poderoso. Cuando el público primero vio Psycho, muchos asumieron que la secuencia de la ducha era mucho más gráfica de lo que realmente era. La escena de tres minutos al parecer se hizo desde 77 ángulos de cámara diferentes, y corta 50 veces. Esto significa que en realidad es bastante difícil ver lo que está pasando, por lo que la mente se llena los espacios en blanco. Mientras que la escena es relativamente moderada para los estándares de hoy en día, en el momento algunos espectadores estaban seguros de que habían visto a los dos desnudos, así como la puñalada Marion Crane (Janet Leigh).

La escena de la ducha de Psicosis también proporciona un ejemplo de cómo muchos directores crean vínculos entre disparos por juego gráficamente. Aquí, vemos la sangre drene por el desagüe redonda y que luego se disuelven en otra imagen redonda; un ojo. Hemos visto su fuga de la vida lejos, y ahora sabemos que está muerta después de que hemos visto su mirada sin vida.


4. The Good, the Bad and the Ugly (1966)

Un ejemplo perfecto de la edición de ritmo es el último tiroteo en El bueno, el feo y el malo. La música comienza melódica como el ojo del pistolero unos a otros, y sus alrededores. Una vez que cada personaje está en posición, y lista para disparar, la velocidad de los cambios aumenta con la velocidad de la música. Ojos se mueven de vaquero al vaquero, ya que cada nerviosamente espera a que el otro para dibujar. El resultado es hermoso, rítmico, y tenso.



5. The Godfather (1972)

Un montaje se lleva a cabo en El Padrino, en la que una serie de asesinatos tienen lugar en el espacio de una secuencia muy corta de tiempo. Un montaje es una manera eficiente de moverse rápidamente a través de una historia, como se es capaz de mostrar una gran cantidad de información en una serie corta de tiempo. Jugada maestra de Francis Ford Coppola era yuxtaponer este sangriento montaje con los votos de bautismo de Michael Corleone (Al Pacino), cortando transversalmente entre los dos.

Michael se convierte en el literal y metafórica, padrino en el espacio de dos minutos.



6. Raiders of the Lost Ark (1980)

En busca del arca perdida es la película de acción clásico de Steven Spielberg. En la escena de apertura, Indiana Jones (Harrison Ford) esquiva accidentalmente un conjunto de trampas explosivas antiguas mientras que el robo de un ídolo de oro en Perú. Una vez que queda claro que no todo está bien, la escena se desarrolla en frenesí. El templo comienza a derrumbarse las puertas comienzan a caer. Flechas se dispararon al azar; Indiana casi cae en el abismo; y, para colmo, una enorme piedra comienza a rodar hacia nuestro héroe.

A pesar de estos acontecimientos frenéticos, la edición es coherente. Cada tiro se enmarca limpiamente para que podamos ver exactamente lo que está sucediendo en cada fotograma. De hecho, la cámara suele ser estática - sólo se mueve un poco para seguir el movimiento del personaje principal. Edición de la acción clásica se basa en el público la comprensión de lo que está afectando a los personajes. La edición puede ser rápida, pero todos los eventos clave se explican; Indiana Jones se agarra a una vid y nosotros no lo vemos deslizarse hasta después de que hemos visto un primer plano de la vid que se afloje.

La edición también corta repetidamente en la acción. Por ejemplo, vemos Indiana Jones ejecutar al final de un túnel y hay luego un corte en un nuevo tiro de él balanceándose sobre un abismo profundo. Este corte en la acción significa que las dos situaciones separadas se unen entre sí, formando una pieza continua de acción.

7. Top Gun (1986)

Tony Scott fue seleccionado debido a su experiencia dirigiendo un comercial para Sabb popular que tuvo su última carrera de autos un avión de combate. De hecho, desde hace quince años Scott había desarrollado una exitosa carrera haciendo anuncios. Como resultado, él estaba acostumbrado a tener que obtener una gran cantidad de información a través de en un corto espacio de tiempo (a veces tan sólo treinta segundos).

En cuanto a este clip de Top Gun, la experiencia de Scott como director de publicidad es clara. Las ediciones de tiro-a-tiro son de ritmo rápido, rara vez dura más de dos segundos, y el énfasis de disparos es en las caras de los personajes y no sus cuerpos completos (incluso en los disparos con los personajes que no están en cabinas). Este estilo post-clásico de la edición se refiere a veces como "la edición de MTV" porque se dirige a un público que se habían criado con viendo estilizados cortos y videos musicales en MTV.


8. Schindler’s List (1993)

Otra función vital de la edición es mantener la continuidad temporal. En casi todas las circunstancias el director va a querer entender dónde se encuentra en la línea de tiempo de la película, y ellos también quieren que usted entienda qué tan rápido el tiempo pasa. Una disolvencia es la forma estándar para que el público sepa que el tiempo ha pasado sin embargo; no es la única manera.

Mientras Itzhak Stern (Ben Kingsley) y Oskar Schindler (Liam Neeson) están creando la lista, la acción tiene cortes a medida hasta una escena completamente diferente que da al público un mayor conocimiento acerca de los esfuerzos de Oskar para procurar su mano de obra judía. Cuando regresemos a la oficina, no sólo ha ayudado a este corte transversal para mover el flujo del tiempo a lo largo, ahora sabemos cómo se determinó Oskar está esforzándose mucho.

A Spielberg también le gusta que coincida con sus gráficos al editar por lo que vemos Itzhak contando a través de una lista recién escrita seguido de un corte a Oskar que lee una lista completa. Esto crea un vínculo metafórico desde el principio, y hasta el final, del proceso de la lista-escritura. A pesar de que la edición es simple corte, sabemos que el tiempo ha pasado, porque los dos personajes se encuentran en diferentes posiciones y la iluminación es baja; esto no es discordante porque del partido gráfico.

Este clip es también un recordatorio del poder de no editar un tiro. Cuando Oskar dice Itzhak dejar de trabajar en la lista de nombres, tenemos una posibilidad remota que tiene una duración de dos minutos. La cámara y zooms ligeramente para seguir la acción, pero la energía ha pasado de los hombres por lo que la energía va de la edición. Ellos han trabajado toda la noche, y Oskar (Liam Neeson) es también esta cansado de haber gastado tanto dinero. Por otra parte, un discurso muy potente es entregado por Itzhak (Ben Kingsley) y no tienen cortes que interrumpan el flujo que ayuda a añadir poder.



9. Quantum of Solace (2008)

En lugar de establecer la geografía de la torre del reloj que James Bond (Daniel Craig) está de pie en los cortes de edición de ángulo a ángulo, lo que aumenta la tensión emocional de Bond. Después ataca Bond, la edición se vuelve aún más rápida. En lugar de tener un visual limpio de cómo los acontecimientos se están desarrollando se nos presenta una serie de primeros planos temblorosos: pistolas, caras, el andamiaje colapso, ladrillos que golpean la pantalla, vidrio demoledor etcétera. Además, hay muy poco de corte en la acción; en cambio tomas sucesivas ofrecen perspectivas completamente diferentes.

Edición rápida y trabajo de cámara en constante movimiento pueden ser referidos como "la continuidad intensificada" o "cine caos". En este estilo de edición, no es crucial para la audiencia a orientarse, o entender claramente lo que está sucediendo. La emoción se crea mediante la estimulación de los sentidos de la audiencia tanto como sea posible con los movimientos de cámara dinámicos y edición frenética.

10. The Social Network (2010)

A pesar de los cambios de estilo en la edición de las películas de acción, la edición clásica sigue siendo estándar para el cine de Hollywood. Este clip de The Social Network muestra una conversación entre Mark Zuckerberg y un abogado y la conversación se desarrolla utilizando el contraplano como técnica de tiro.

Por supuesto, si todas las conversaciones de cine se cuentan utilizando sólo dos ángulos de la escena sería bastante aburrido. Cuando Zuckerberg se da cuenta de que ha empezado a llover edita a un punto de vista que nos permite ver a través de sus ojos. A continuación, edita a un tiro de reacción de dos de sólo del demandante después de Zuckerberg primero dice "no". Tomas de reacción a menudo hacen que las escenas tengan más textura e interés como la acción corta distancia de la escena principal, sin dejar que nos muestre información importante. El disparo que nos muestra la videocámara es también un recorte de distancia, lo que le da un sabor extra.

A medida que la conversación se vuelve más caliente, cortamos a un close up de Zuckerberg seguido por un medio de acercamiento de la abogada. Disparos Closer permiten detalles más notables, y ayudan a captar las expresiones del actor. Se utilizan aquí de manera que el público pueda entender que los dos personajes están cada vez más enojados. Una vez que se han establecido allí las emociones, la escena y luego edita a un plano medio de manera que las reacciones del resto de la habitación son de captura (primer equipo de la parte demandada, a continuación, el equipo de los incómodos demandantes buscan '). Es una conversación sencilla, pero la edición ha permitido a la audiencia a absorber todos los matices y detalles de la situación.

4 RAZONES DE PORQUE EL MATERIAL FILMICO NO HA MUERTO AÚN

La desaparición de la película de 35 mm ha sido tan ampliamente discutida que es fácil creer que la película ha sido totalmente suplantada por cámaras digitales y proyectores. Pero eso no es del todo cierto. Hace unas semanas tuvimos la noticia que la película de 35 mm de stock negativa tuvo una nueva oportunidad de vida, con una coalición de los estudios de Hollywood que hizo un compromiso financiero para mantenerlo con vida durante unos cuantos años más, e incluso hay lugares donde todavía se puede ver una película proyectada en 35mm , si usted sabe dónde buscar. No queremos exagerar el caso porque la película realmente está contra las cuerdas en una era digital. Pero aquí hay algunas razones por las cuales los cineastas y aficionados al cine por igual todavía tenemos una oportunidad de aprovechar al máximo los últimos días de la película.


Los más poderosos de Hollywood no quieren que muera.

Cineastas famosos han convencido a los estudios de Hollywood para mantener la fábrica en funcionamiento de película de Kodak. The Wall Street Journal hace unas semanas reveló "negociaciones secretas" entre Kodak en un lado y Warner Bros., Universal, Paramount, Disney, y The Weinstein Company en el otro para mantener Kodak en la industria del cine. Básicamente, los estudios se están comprometiendo a comprar cantidades fijas de stock de la película en los próximos años, en nombre de los directores que lo puedan utilizar. Entre los realizadores de cabildeo para el acuerdo eran Quentin Tarantino, Judd Apatow, JJ Abrams, y Christopher Nolan, todos los cuales han seguido trabajando en 35mm. De hecho, Tarantino ha prometido rodar su próxima película, "The Hateful Eight", en 70mm, y Nolan en la parte superior de esta página, en el lugar con una cámara IMAX para su lanzamiento en noviembre, Interestelar. Y Martin Scorsese emitió un comunicado en apoyo del acuerdo de Kodak. "Los jóvenes que se ven obligados a hacer películas deben tener acceso a las herramientas y los materiales que eran los componentes básicos de esa forma de arte", dijo. "¿A alguien se le ocurriría decirle a los jóvenes artistas a deshacerse de sus pinturas y lienzos en iPads son mucho más fácil de llevar? Por supuesto que no."

Claro, JJ Abrams puede usar su influencia y obtener la luz verde para disparar Star Wars 7 en la película. Pero  la película de 35mm sigue siendo viable incluso para proyectos independientes. Con la ayuda de una campaña de Kickstarter éxito y el apoyo del New Filmmaker Program, que presta equipo de cámara de 16mm y 35mm para proyectos de bajo presupuesto. En Washington DC, el cineasta Zeresenay Berhane Mehari fue capaz de dirigir "Difret" en locaciones de Etiopía, disparando película de 35 mm y enviarlo a la India para su procesamiento. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de este año, donde ganó el Premio del Público en el World Cinema Dramatic categoría, y está haciendo las rondas de festivales con el nombre de Angelina Jolie que se adjunto como productora ejecutiva. No está mal para una pequeña película.

Las impresiones de película no están extintas, sólo una especie en peligro de extinción.

Podría parecer que todos los exhibidores en la tierra han hecho la transición a la proyección digital, pero hay algunos que se han mantenido fieles. Al final de 2013, según la firma de investigación IHS, todavía había 2.969 pantallas-35mm sólo en los EE.UU. En el área metropolitana de Nueva York, Cinemart Cines en Forest Hills, Queens, según se informa uno de los últimos teatros basados en la exhibición de películas, lo que lleva algunos cinéfilos a hacer la peregrinación específicamente para ver una película en 35mm. También será capaz de ver la película proyectada en todo su esplendor en noviembre, cuando se imprima en IMAX de 15 perforaciones la película de 70 mm de Interestelar de Nolan.

Los archivos fílmicos tienen (mucho) mayor vida útil que los archivos digitales.

Las películas necesitan archivarse de alguna manera, y los cineastas que confían en los masters digitales como su "archivo" pueden estar confiando en un desastre. Como la Academia escribió en su informe digital Dilema 2 emitido en 2012, "todavía no se han desarrollado mecanismos de preservación y acceso adecuados a largo plazo para los materiales de imágenes en movimiento digital." La conversión de ese color master digital a película de separación en blanco y negro es una buena manera de llegar a un formato de archivo, y con eso en mente, Kodak ha desarrollado recientemente dos nuevos tipos de película de archivo. El ejecutivo de Kodak Andrew Evenski nos recordó a finales del año pasado, "la película ofrece un formato estándar, legible por humanos que ha estado en existencia por más de un siglo, y existirán métodos para recuperar el contenido de un marco de 35 mm en el futuro." Incluso la reciente transición digital documental Side by Side fue finalmente comprometida a filmar de stock para los archivos.

CORTOMETRAJE: INTUITION

EL FACEBOOK NO PUEDE FALLAR

La cineasta Danielle Lurie estuvo en Barcelona recientemente, y, como ella escribe, hizo un cortometraje sobre la marcha. Conecto con la actriz principal, Montse Muñoz a través de Facebook y ha hecho una película preciosa sobre la indecisión romántica, señales contradictorias y la magia del azar. 

INTUITION from Danielle Lurie on Vimeo.

CORTOMETRAJE: DINNER WITH HOLLY DIR JOSH CROCKETT Y DANIEL SINCLAIR

...O EL INTENTO FALLIDO DE UN THREESOME

¿Por qué verlo? Rob y Anna están tratando de agregar un poco de condimento a su vida sexual, y en realidad han estado haciendo un buen trabajo, su necesidad de limpiar los mostradores de la cocina es una indicación, pero cuando su amigo de Holly viene a cenar esta todo se complica. Esta breve película de Josh Crockett y Daniel Sinclair propone una serie de problemas con la Oficina y las proposiciones incómodas. 

En realidad, hay dos claves para la brillantez de Dinner with Holly. La primera es la química compartida entre sus actores - Kristin Slaysman, Bob Turton y Bridget Moloney - que crea una base realista para que los personajes vayan más allá de su zona de confort al tiempo que permiten a todas las emociones abrumadoras que, naturalmente, acompañamos. Estos son nuestros amigos y vecinos. Cada decisión parece estar arraigada en averiguar lo que haría una clase media aburrida cuando se enfrentan a situaciones incómodas que son en gran medida auto-deseadas y de creación propia. Se dan cuenta en medio de su viaje que ser demasiado relajado tiene consecuencias más allá de fregar las superficies de la cocina. 

La segunda marca de la magia es la edición, que es valiente al permitir silencios prolongados que logran hacernos sentir a veces desesperados para que la escena cambie. Se refuerza todo lo que hacen los actores, ofreciendo un entorno de anti-risa. Al igual que un extraño haciendo contacto visual prolongado, no tenemos más remedio que aceptar la situación o mirar hacia otro lado, y si usted puede manejarlo mirando torpemente en la cara.

Dinner with Holly from Explosive Bolts on Vimeo.

MI ASESINATO FAVORITO DE LA HISTORIA DEL CINE

HAL NO PUDO TENER UN MEJOR FINAL

La primera vez que entendí lo que era la vida artificial fue cuando de niño (por descuido de mis padres tal vez) vi completa 2001: A Space Odissey de Stanley Kubrick y me horrorice ante la posibilidad de que una maquina cobrara sentido de su propia existencia.

En ese entonces recuerdo me pareció muy lógico y trágico a la vez porque en verdad yo imaginaba un mundo de mi propia adultez llena de robots con libre albedrío pero con un carácter muy más noble y siempre al servicio del hombre.

La película siempre esta en un tono muy tenso y cuando descubres que Hal 9000 esta detrás de todo lo horrible que esta sucediendo sabes que la única forma de que los personajes sobrevivan es destruirla.

Recuerdo haber sentido una gran alivio cuando por fin la desactivaron y recuerdo no haber entendido nada de lo que vi, pero a Hal 9000 nunca lo pude olvidar.

CORTOMETRAJE: QUENTIN AND LISA IN THE GROCERY STORE DIR THANE ECONOMOU

UNA LOCA RELACION DE PAREJA

¿Por qué ver? Dos cosas sobresalen sobre esta comedia (?) Cortometraje de Thane Economou además de ser una sola toma de seis minutos de duración en travelling. En primer lugar, es una intensa explosión del espectro emocional completamente contenida en un espacio pequeño. En segundo lugar, se encoge de hombros ante su propia ferocidad. 

En Quentin and Lisa…at the Grocery Store, dos exes ardientes se topan de frente en un área construida para carritos de supermercado, donde proceden a atacarse brutalmente unos a otros en todo el establecimiento. Las cosas se ponen feas - tal vez demasiado feas - pero la energía maníaca es contagiosa, proporcionandas por dos cerebros carentes de pensamiento racional en una oportunidad de chocar. 

El ritmo de la comedia es fuerte, el movimiento de la cámara es bastante acrobática para impresionar en el poco apretado espacio, pero el cortometraje también funciona en gran parte porque se centra en la explosión de un argumento que tiene sentido desde un par de metros de distancia. 

Más allá de ese fundamento, el humor viene directamente del miedo incómodo de la confrontación, interpretado de forma natural y seguido por dos radicales libres encontrando sus puños verbales. Deje que los fuegos artificiales comiencen. 

Quentin and Lisa...at the Grocery Store from Thane Economou on Vimeo.

PELÍCULAS DE LOS 80 QUE NO SE PODRIAN HACER HOY

A VECES LOS PREJUICIOS PESAN MUCHO

Las películas clásicas a veces pueden ser incómodas de ver. Muchas cosas que fueron socialmente aceptadas durante la Edad de Oro de Hollywood no lo son hoy, y viceversa. Y las representaciones y el tratamiento de las minorías de raza, religión, orientación sexual y género no eran a menudo auténticas ya sea por ignorancia o la ocultación habitual. Pero no son sólo las películas de la época de nuestros abuelos que encajan en esta idea en las que debemos tener en cuenta los tiempos en que la apreciación de cine, si se trata de estereotipos horribles en The Birth of a Nation o de la violación conyugal en Marnie o la villanización general de los nativos americanos durante décadas. Ahora estamos lo suficientemente lejos de la década de 1980 y es el momento de examinar de nuevo sólo lo que nos pareció bien, sobre todo lo que encontramos divertido en ese entonces. 

Muchas de las exitosas comedias de esa década nunca habrían visto la luz hoy. Parte de ella es la incorrección política sobrante, el racismo, el sexismo abierto, pero también ha habido cambios culturales y tecnológicos en los últimos 25 a 35 años que hacen otros escenarios tal vez incluso incomprensibles para los espectadores jóvenes ahora. Uno de los elementos de muchas películas de la década de 1980 que no funcionaría para el público moderno es tanto la homofobia empleada en el humor, insultos y gags que involucran bares gay. También había un gran problema con respecto a la aparentemente inocencia en el asalto sexual, en su mayoría no-físico en aquel entonces, de los fantasmas y los chicos súper poderosos que miran furtivamente y desnudar a las mujeres desprevenidas a las formas no sobrenaturales más comunes de voyeurismo. 

Hollywood podría rehacer fácilmente muchas de las películas culpables de esas cuestiones y dejar de lado ese tipo de lenguaje y situaciones inapropiadas, pero los siguientes comedias de la década de 1980 no podía ser tan fácilmente reelaboradas como para ser aceptables o tener sentido en un entorno de hoy en día. Curiosamente, algunos de ellas han sido o están en fase de ser rehechas. Buena suerte a sus respectivos productores superando los obstáculos de escenarios arcaicos y humor. 

The Toy (1982)

Incluso si usted compra que esta comedia de Richard Pryor es más sátira que racismo puro, sigue siendo difícil de vender una película en la que un hombre blanco rico compra un hombre negro como un "juguete" para su hijo mimado. No debió incluso parecer correcta en ese entonces, sobre todo porque cualquier comentario social se perdió, pero en realidad fue un éxito de taquilla y VHS. 

Mr. Mom (1983)

Todavía hay un montón de gente que piensa que un hombre debe trabajar y la mujer debe quedarse en casa en la cocina con los niños. E incluso más personas tienen problemas para al menos sacudir los estereotipos de género, mientras que aceptan que son chapados a la antigua. Aún así, el concepto de la estancia en casa de papá es bastante común en estos días. Esto y muchas otras películas y programas de televisión relacionados con chicos que tienen problemas para cuidar de los niños y las tareas del hogar son ahora sólo un pedazo de la historia, como una respuesta a las normas sobre la familia. Más que el escenario de un señor mamá, sin embargo, es la materia sobre lo loco que es para la madre de tener un trabajo importante que está especialmente fuera de moda hoy en día. Todavía podemos reírnos de un hombre que tiene problemas para cambiar pañales y tabla de camisas, pero no hay nada divertido o extraño en una mujer en la sala de juntas.

Revenge of the Nerds (1984)

No es necesariamente la escena de la violación inadecuadamente justificada donde un personaje se hace pasar por otra persona con el fin de tener relaciones sexuales con la novia de esa persona, ni es necesariamente el asalto a las mujeres en forma de un robo en casa de la hermandad, ni la instalación de una cámara voyeur y distribución de fotos de desnudos. Todo esto es bastante terrible y, obviamente, no debería estar planeado en el remake. La razón principal por la cual no tiene ningún sentido volver a hacer esta película es que los nerds se ven de manera muy diferente 30 años después. Ellos han "ganado". Ya tenemos una nueva revancha de los novatos, y se llama La Red Social.

Spies Like Us (1985)

Si sólo tuviéramos comedias como esta hoy. No importa que la Guerra Fría haya terminado y los escenarios para encontrar humor en una potencial guerra nuclear no son tan fáciles de lograr o relevantes. No importa que la comedia de espionaje es casi inexistente ahora, a pesar de que los espías siguen siendo importante. No creo que nos hayamos metido demasiado en serio en considerar la poca inteligencia para disfrutar de una película sobre los idiotas que se utilizan como señuelos desechables que en última instancia, salven al mundo. Simplemente Estados Unidos no tiene un adversario internacional tan atractivo como los soviéticos, con los cuales podrían tener héroes tontos haciendo la paz tan profundamente como sucede en el tercer acto de esta película en particular. La Guerra Fría de hoy es la guerra contra el terrorismo, y el público simplemente no sería como aceptaría tan fácil una comedia que involucre a Al Qaeda.

TRAILER: GENERACIÓN SPIELBERG DIR. GIBRAN BAZÁN

EL BLANCO Y NEGRO DIGITAL

Presentada en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), Generación Spielberg es el primer largometraje de ficción del director Gibrán Bazán después del documental Los rollos perdidos. La cinta fue filmada en el 2009 con ayuda de Bruno Bichir, su protagonista, y un par de cámaras prestadas, cuenta cinco historias que en algún punto se entrelazan. Comparten pantalla Silvia Carusillo, Sophie Gómez, Alejandro Durán, Luisa Sáenz, Sonia Franco, Miguel Conde, Ricardo Zárraga, Gabriel Casanova, Mauricio Ramírez, Eduardo Negrete, Luis Fernando Padilla, Andrés Pardavé, Ramón Medina y Guillermo Villegas.


Le película llegará próximamente a las salas de cine del país.

Sinopsis: Cinco historias entrelazadas. Dos amantes se quedan 24 horas bajo las sábanas. Una chica de alcurnia queda atrapada en un elevador con un mensajero y un contador. Un grupo de escritores se emborracha con mezcal en una camioneta, recordando sus épocas ochenteras. Una psicoanalista se encierra en el baño para suicidarse, mientras una ejecutiva y madre de familia, quien tenía un affaire con ella, se esconde en el cuarto de escobas de su oficina para curar su corazón roto con vino.

CORTOMETRAJE: "PALOMA" DIR. ROBERTO FIESCO

PERDIMOS A UNO DE LOS ULTIMOS SIMBOLOS DE LA MEXICANIDAD

El día de hoy (14 de Agosto de 2014) murió Columba Domínguez  considerada pieza fundamental en la historia de la epoca de oro del cine mexicano y una de las grandes musas del director cinematográfico "El Indio" Emilio Fernández, a quien, además, estuvo unida sentimentalmente por varios años.

No pierdo la oportunidad de sumarme a los homenajes posteando a continuación uno de sus últimos trabajos "Paloma" cortometraje escrito por el multi-premiado director Julian Hernández y dirigida por el también director y productor Roberto Fiesco.

Roberto Fiesco en entrevista para Radio Formula comento desde Bogotá Colombia lo siguiente:

"Al morir Columba Domínguez se muere algo más que una actriz, ella era un símbolo de la mexicanidad ante el mundo"

"Ella era la última representante de una época de oro, que muere también con ella, aquella que construyó la idea de la indígena llena de dignidad, hieratismo, fortaleza, pero sobre todo belleza"

Con profunda tristeza, Fiesco recordó que cuando filmaron "Paloma":

"Columba fumaba muchísimo y eso la llevó a tener un problema con la maquillista, quien era muy estricta y le prohibió hacerlo en su zona de trabajo mientras la maquillaba"

"No sé si sepas quién soy yo, pero afortunadamente yo no sé quién eres tú. Y después de escuchar eso, la maquillista la dejo fumar", agregó el también productor. Roberto expuso: "A Jorge Pérez Solano, director de "Espiral", y a mí se nos ocurrió rendir un homenaje a una de aquellas actrices del cine que nos había formado y no dudamos un momento en buscar a Columba para que actuara en "Espiral"

Finalmente, Fiesco se congratuló que la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de México le haya entregado a Columba el Ariel de Oro, como reconocimiento a su trayectoria, y "lamentablemente jamás pudo regresar a la casa de ' El Indio' Fernández, en Coyoacán, en la ciudad de México, como fue su deseo". 

CREDITOS INICIALES: THE FALL DIR. TARSEM SINGH

BELLEZA EN CAMARA LENTA

La secuencia de apertura de The Fall del director Tarsem Singh es el ejemplo perfecto de un control absoluto de un director sobre su visión. Ver esta secuencia con detenimiento después de ver la película es un regalo; una cosa rara y hermosa. Surrealista, extravagante, y un mundo singularmente Tarsem. ¿Qué es lo hace sentir las cosas de esa manera?

Con la música de Beethoven la Sinfonía n º 7 en La mayor, op. 92 (2-Allegretto), los visuales recibido las notas cobran sentido en una rápida sucesión. El puente se convierte en un escenario y el telón se levanta con un caballo conforme la secuencia concluye. Es un sueño, y nosotros somos Dorothy, recordando a los jugadores.

TRAILER: "TESTAMENT OF YOUTH" DIR. JAMES KENT

ALICIA VIKANDER SUFRE PARA SOBREVIVIR A LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Desde que hizo la transición a las películas en idioma Inglés, Alicia Vikander ha hecho la construcción de un sólido CV, o al menos un salpicado de grandes películas. Tiene The Fifth Estate, Anna Karenina  y sus próximas películas The Man From UNCLE, Seventh Son, y de Derek Cianfrance Light Between Oceans, sólo para nombrar unos pocos. 

Más específicamente, ella tiene el drama  de la Primera Guerra Mundial Testament of Youth, que filmó la primavera pasada y la cual dirige James Kent y co-estrelarizan Kit Harington, Taron Egerton, Colin Morgan, Dominic West, Emily Watson, Hayley Atwell, y Anna Chancellor. Aquí está el primer trailer de Testament of Youth, la introducción es de una joven que narra su experiencia como enfermera de la Primera Guerra Mundial en un libro de memorias.

Por lo que sabemos, Testament of Youth llegará al Reino Unido en 2015; no hay fecha para Estados Unidos en este momento.

Testament of Youth es una historia ardiente de amor y de guerra. Basado en el clásico libro de memorias de la Primera Guerra Mundial, esta es la increíble historia real de la lucha de una mujer joven para sobrevivir a los horrores de la guerra, que le robó a todos y todo lo que ella más quería, pero al final no pudo romper su espíritu extraordinario.

Vera Brittain, incontenible, inteligente y de mentalidad libre, supera los prejuicios de su familia y su ciudad para ganar una beca para Oxford. Con todo para vivir, ella se enamora de un amigo cercano de su hermano Roland Leighton, ya que ir a la universidad para perseguir sus sueños literarios. Pero la Primera Guerra Mundial es inminente y los chicos se van para el frente. Vera da cuenta de que no puede quedarse de brazos cruzados mientras sus compañeros luchan por su país, por lo que se ofrece como voluntaria como una enfermera. Trabaja incansablemente, experimentando todo el dolor de la guerra y como uno por uno, su novio, su hermano y sus amigos más cercanos mueren y los pilares de su mundo se hacen pedazos. Pero con un espíritu infatigable, Vera sobrevive y vuelve a Oxford, irrevocablemente cambió, sin embargo, decidido a crear un mundo en el que esa guerra nunca podrá tener lugar de nuevo.

CARTA DE MARTIN SCORSESE A KODAK

EN APOYO AL MATERIAL FILMÍCO

La semana pasada se informó sobre un conjunto de directores que habían pedido a los estudios de cine ayudar a la maltrecha Kodak a mantener viva su división de imagen en movimiento de películas. Quentin Tarantino, Christopher Nolan, Judd Apatow, y JJ Abrams cabildearon con los estudios a seguir comprando stock de película, lo que llevo a un acuerdo en el que los estudios van a comprar una cantidad fija disponible cada año. Ahora Martin Scorsese también interviene con una carta que celebra al material fílmico como un medio creativo y de archivo. 

Carta de Scorsese a Kodak

Tenemos muchos nombres para lo que hacemos - cinema, películas, imágenes en movimiento. Y ... el cine. Somos llamados directores, pero más a menudo nos llaman cineastas. Cineastas. No estoy sugiriendo que ignoramos lo obvio: HD no viene, ya está aquí. Las ventajas son numerosas: las cámaras son más ligeros, es mucho más fácil de rodar de noche, tenemos muchos más medios a nuestra disposición para modificar y perfeccionar nuestras imágenes. Y, las cámaras son más asequibles: las películas realmente se pueden hacer ahora por muy poco dinero. Incluso algunos de nosotros aún filammos en HDcon look de cine, y nuestras películas se proyectan en HD. Así, podríamos estar fácilmente de acuerdo en que el futuro está aquí, que el cine es engorroso e imperfecto y difícil de transportar y propenso al desgaste y deterioro, y que es el momento de olvidar el pasado y decir adiós en realidad, eso se podría hacer fácilmente. Demasiado fácil. 

Parece que siempre estamos recordando que el cine es, después de todo, un negocio. Pero la película es también una forma de arte, y los jóvenes que se ven obligados a hacer películas deben tener acceso a las herramientas y los materiales que eran los componentes básicos de esa forma de arte. ¿A alguien se le ocurriría decirle a los jóvenes artistas a deshacerse de sus pinturas y lienzos porque las iPads son mucho más fácil de llevar? Por supuesto que no. En la historia del cine, sólo un minúsculo porcentaje de las obras que comprenden nuestra forma de arte no se dispararon en película. Todo lo que hacemos en HD es un esfuerzo para recrear el aspecto de película. Cine, incluso ahora, ofrece una paleta visual más rica que el HD. Y, tenemos que recordar que el cine sigue siendo la mejor y única prueba de tiempo para preservar películas. No tenemos ninguna garantía de que la informaciones digitales durarán, pero sabemos que la bondad de película, si se almacena adecuadamente y con los cuidados necesarios. 

Nuestra industria - nuestros cineastas - apoyan rápidamente a Kodak porque sabemos que no podemos darnos el lujo de perder, el archivo que hemos perdido de muchas otras película. Esta noticia es un paso positivo hacia la preservación de la película, la forma de arte que amamos.

7 MUJERES DEL CINE EXTREMADAMENTE VIOLENTAS

FACILMENTE PATEARIAN TU TRASERO...

¿Qué pasa cuando el día de una mujer es brutalmente perturbado? ¿qué ocurre cuando hombres perdidos y con el alma maldita, deciden violentar su cuerpo? Estas siete chicas dejan atrás el papel de la víctima y nos demuestran que cuando la mente femenina se lo propone, puede ser más cruel y sangrienta de lo que pensábamos. Acá el conteo de siete chicas que patearían tu trasero más de una vez, por venganza, por defensa e incluso por placer.

1. Samurai Princess, 2009

Un grupo de colegialas caminaba por los bosques cuando fueron atacadas y asesinadas por una banda de maleantes. Sólo una de ellas sobrevive, pero está gravemente herida. La joven es encontrada por un científico, de esos locos, quien le da un nuevo cuerpo androide/robot para que busque a sus violadores y, en medio de un festín sangriento y gore, los aniquile. Extremidades con sierras eléctricas, tobillos lanza fuegos, narices amputadas, todo un escenario absurdo de mutilación.

2. I Spit on your grave, 1978 y 2010 (remake)

Jennifer Hills, renta una cabaña cerca de un lago para escribir su primera novela. Cuando llega al pueblo, su cuerpo joven y hermoso, llama la atención de un grupo perverso de hombres en la estación de servicio, quienes finalmente la violan y la dañan para siempre. Terrible sorpresa con la que se encuentran una vez que la mujer, enfurecida y sádica, decide tomar venganza contra sus violadores de la forma más sangrienta posible, eso sí, después de haber pedido perdón en la iglesia por sus futuros planes de tortura.

3. You’re Next, 2013

Un grupo de enmascarados deciden irrumpir una casa y matar a todos. Tarea sencilla ya que comúnmente una familia no está entrenada para enfrentarse a locos asesinos, pero nunca imaginaron conocer a Erin. Desearían no haber entrado nunca en esa casa.

4. Death Proof, 2007

Mala decisión cuando “Stuntman” Mike decide hacer de Abernathy, Kim y Zoë, sus nuevas víctimas. Después de satisfacer su estúpido fetiche de velocidad y chicas mutiladas, “Stuntman” Mike cree que el grupo de mujeres que se divierten en el cofre de un Dodge Challenger 1970, será también objeto de placer. Todo sale mal para él cuando las tres mujeres a punta de puñetazos, patadas y golpes con largos tubos de metal, deciden defenderse.

5. Kill Bill, 2003 (vol. 1) y 2004 (vol.2)

Otra de Quentin Tarantino. “La Novia“(Beatrix Kido), después de saberse embarazada decide dejar el mundo del asesinato a sueldo. Un enfurecido Bill, su jefe y amante, manda a sus mejores asesinos a matarla el día de su boda con otro hombre. Por supuesto que, cuando fallan en su misión, Beatrix vuelve para saciar su sed de venganza en contra de todos los malditos que la atacaron y, como la cereza el pastel, su destino final será en contra de Bill.

6. Hard Candy, 2005

Cuidado con la gente que conoces por internet, especialmente si eres una joven e ingenua muchachita, ¿o no? La bella y aparentemente inocente Hayley Stark, estelarizada por Ellen Page, nos muestra cómo, a veces, la dulce niña podría resultar ser una lunática psicópata que te torturará con la idea de la castraciónamateur y la muerte.

7. Lady Snowblood, 1973

Una mujer es atacada y violada, su esposo y su hijo son asesinados. Ella se venga de uno de sus captores y va a prisión, en donde se embaraza de un guardia y pide a sus compañeras que críen al bebé para la venganza. Así naceYuki, una máquina del mal que mutilará con sable y de la forma más sangrienta posible a los asesinos y violadores que atacaron a su madre y a su familia.

TRAILER: "EL LIBRO DE LA VIDA" DIR. JORGE GUTIÉRREZ

NUEVO PROYECTO COMO PRODUCTOR DE GUILLERMO DEL TORO

El próximo 17 de octubre se inaugurará en las salas estadounidenses "El Libro de la Vida", la nueva película donde el cineasta mexicano Guillermo del Toro participa como productor.

Esta semana, la casa realizadora Reel FX Creative Studios difundió una serie de imágenes del filme animado en tercera dimensión (3D). El director de la cinta es el también animador e ilustrador mexicano Jorge Gutiérrez.

"El Libro de la Vida" está llena de imágenes del folclor mexicano, con énfasis especial en el Día de Muertos. Del Toro aceptó ser el productor porque, dice, quedó enamorado de los dibujos que le presentó Gutiérrez una noche de borrachera, donde bebieron "un mar de tequila".

LAS ACTRICES QUE MÁS DINERO GANARON EN 2013

FORBES PONE A SANDRA BULLOCK Y JENNIFER LAWRENCE A LA CABEZA

No sabemos lo mucho que has ganado en el último año, pero es muy seguro que mucho menos de estas diez actrices de Hollywood. Sandra Bullock encabeza la lista con impresionantes 51 millones dólares, pero de los números 2 al 10 no lo hacen demasiado mal para ellas tampoco. ¿Puedes adivinar quiénes son? Averiga quiénes son las actrices mejor pagadas de 2013. 

Aquí está la lista completa de los ingresos de las principales actrices del año de Forbes.com. Las cifras próximas a cada nombre son el total de las ganancias de la estrella estimadas entre junio de 2013 y junio de 2014, incluidos los cheques de pago de películas, contratos de patrocinio, y más. "Los impuestos, honorarios del agente o los otros costos de ser una celebridad" no fueron tomados en cuenta.

2013 Las actrices mejor pagadas de Forbes 

Sandra Bullock - $ 51,000,000 

Jennifer Lawrence - $ 34 millones 

Jennifer Aniston - $ 31 millones 

Gwyneth Paltrow - $ 19 millones 

Angelina Jolie - $ 18 millones 

Cameron Diaz - $ 18.000.000 

Scarlett Johansson - $ 17 millones 

Amy Adams - $ 13 millones 

Natalie Portman - $ 13 millones 

Kristen Stewart - $ 10 millones 

En primer lugar: Mierda, eso es mucho dinero. Yo no podía esperar hacer en toda una vida lo que Bullock hizo el año pasado. 

Tan grande como estos números son, sin embargo, son (por desgracia, como era previsible) más pequeños que los de mejor pagadas actores masculinos de Hollywood. ¿Si las listas se fusionaran, Bullock sería # 3 detrás de Dwayne Johnson (52 $ millones) y Robert Downey Jr. ($ 75 millones), pero por delante de Bradley Cooper ($ 46 millones). Lo que no suena tan mal, pero las cifras para las actrices tienden de caer demasiado después de eso. 

En segundo lugar Jennifer Lawrence se ubicaría justo debajo de Ben Affleck y Christian Bale, números 7 y 8 en la lista de los hombres. Ninguno de los otros top-10 de las actrices se acerca en absoluto. Mujer # 10 Kristen Stewart hizo $ 12 millones el año pasado, sólo una fracción del negocio del # 10 Mark Wahlberg del sexo masculino el cual hizo ($ 32 millones). En total, estas diez mujeres se llevaron en 226 millones dólares en contra de la de los hombres que combinado es de  $ 419.000.000. 

Una cosa que las listas definitivamente tienen en común, sin embargo, es poderosa presencia de Marvel. Las lista de los hombres incluye dos estrellas de Marvel y uno (en ese entonces) futura estrella de Marvel; las mujeres incluye tres actrices Marvel. Si bien el estudio es notoriamente basico en algunas cosas, esos contratos Marvel pagan generosamente a sus estrellas. 

Aún así, los deprimidos por el, estado macho-centrico de la industria de las películas moderna no tiene por qué sufrir demasiado. Bullock ganó $ 51 millones en una gran parte por protagonizar Gravity que fue la octava película más taquillera del año pasado a pesar de ser exactamente el tipo de película que la "sabiduría convencional", insiste, no va a ganar dinero.

GANADORES DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GUANAJUATO

"TODOS ESTAMOS MUERTOS" LA GRAN GANADORA

El Festival Internacional de Cine de Guanajuato 2014 llegó a su fin el pasado domingo, 3 de agosto. 

Los actores Ximena Ayala (Los insólitos peces gato) y Gustavo Sánchez Parra (Amores Perros) llevaron a cabo la ceremonia de clausura en el Auditorio del Estado, en el que el festival concedió premios a varias películas, tanto internacional como mexicanas. Durante la gala, el director del festival, Sarah Hoch, dio el anuncio de que en la edición de 2015 Turquía va a ser el país invitado.

El primer premio para una película mexicana fue para Beatriz Sanchís película debut "Todos Estan Muertos", mientras que el veterano del circuito de festivales Nicolás Pereda se llevó a casa el premio al Mejor Documental Mexicano para El Palacio (El Palacio). "Los hámsters" fue premiada como la mejor película según la prensa. 

Esta es la lista de los ganadores: 

Mejor ópera prima mexicana 

Todos Están Muertos (dir. Beatriz Sanchís, México-España) 

Mejor Ópera Prima Internacional 

Party Girl (dir. Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis, Francia) 

Mejor Documental Internacional 

Virunga (dir. Orlando von Einsiedel, Reino Unido) 

Mejor Documental Mexicano 

El Palacio (El Palacio, dir. Nicolás Pereda, México, Canadá) 

Mención de Honor (Documental Mexicano) 

VideoHome (dir Emiliano Rocha, México) 

Premio de la Prensa 

Los Hamsters (Gilberto González, México) 

Concurso Nacional de Guión 

Cortometraje: Animal (Dir Victoria Ponce) 

Largometraje: Harvest Orange (Dir Luis Horacio Pineda) 

Sexto Rally Universitario 

Cerillito Summer (dir. Fabián de León) 

Premio del Público (Rally Universitario) 

Goes and Runs (dir. Manuel Rodarte) 

GIFF Hack (dedicada a proyectos de innovación tecnológica) 

Proyecto "ENTI" (por el equipo Nzuri Tabya) 

Premio La Musa (Mujeres en el cine y la televisión) 

Crocodile (Dir. Gaelle Denis, Reino Unido) 

Mejor Cortometraje de Guanajuato 

The Call (dir. Laura Zacanini, Francia-México-Canadá-Colombia)