LOS MAESTROS DEL MONTAJE NOS MUESTRAN EL CAMINO
La edición es un proceso de selección. A veces, cientos de horas de material de son filmadas, y sólo se terminan viendo en torno a dos horas. Es también un lenguaje que tiene sus reglas. Cuando se hace mal puede causar aburrimiento o, peor aún confusión.
La importancia de la edición no puede ser subestimada. De acuerdo con los escritores de cine aclamados David Bordwell y Kristin Thompson, la típica película de Hollywood tiene entre 1.000 y 2.000 emplazamientos que se han cortado juntos. Para las películas de acción, esa cifra puede subir dramáticamente a 3000 emplazamientos distintos. Para esta lista, he incluido un clip para una gran selección de películas que pueden enseñarnos mucho sobre la edición de películas.
Este artículo ha sido escrito con la esperanza de inspirar a regresar a algunas de sus propias escenas favoritas, en sus propias películas favoritas, para que pueda deconstruir y analizar la forma en la edición de la película ha ayudado a diseñar un momento cinematográfico perfecto.
El director, Sergei Eisenstein, es famoso por la creación de películas que carecían de las características convencionales y los personajes centrales. En lugar de ello, sus películas crean momentos muy emocionales para que el público se enganche. Estos momentos son montados en montajes que contienen imágenes yuxtapuestas que transmiten energía y entusiasmo.
En El acorazado Potemkin, Eisenstein está tratando de fomentar la idea de un mal gobierno zarista. Como resultado de ello se nos muestra imágenes que el público pueda entender y ser horrorizado: recibir un disparo por un niño y luego ser pisoteado, protestas, un cochecito de un bebé rodando por los escalones, soldados opresivas, etc ¡Es importante recordar que Eisenstein no estaba tratando de reflejar la realidad; la masacre de Odessa nunca ocurrió, y la secuencia es de siete minutos de duración, mientras que en la vida real que tomaría menos de la mitad del tiempo a correr por las escaleras.
La escena concluye con un querubín de piedra y el león que aparece a venir a la vida (tres emplazamientos distintos de ambas estatuas en diferentes posiciones da la impresión de que van de estar sentado inmóvil al pie y listo para la acción). Estas imagenes, editadas junto al Potemkin y contra edificios zaristas, transmiten que es hora de levantarse contra los opresores.
2. Casablanca (1942)
Un ejemplo claro de edición clásica, en primer lugar, orientar al público mediante la creación de relaciones espaciales. Esto se puede lograr simplemente por coincidencia. En esta escena de Casablanca, Rick (Humphrey Bogart) y el Capitán Louis (Claude Rains), ambos se establecen dejando la cámara detrás del hombro de Louis viendo a Rick sentado en un escritorio. En la foto, podemos ver los ojos de Rick mirando al capitán. Después de la primera edición que estamos ahora mirando directamente al capitán, por lo que el público sabe que estamos mirando a través de los ojos de Rick.
La escena avanza, durante la conversación, haciendo que el cambio de ángulo de la cámara con frecuencia (pero siempre sabemos qué perspectiva que estamos buscando). Cuando la cámara muestra un personaje mirando a otro, y luego se muestra el contador-shot desde el punto de vista del otro personaje, se le conoce como contraplano disparado. La técnica de tiro contraplano es una piedra angular de la edición clásica.
A medida que la conversación se acerca, se introducen dos nuevos ángulos. El primer ángulo establece que la posición del capitán ha cambiado. El segundo ángulo permite la entrada de un tercer personaje (si hubiéramos simplemente ha dado un primer plano de este tercer personaje que entra, que no hemos sabido dónde en la habitación que había entrado desde).
A pesar de que ya no estamos mirando a través de los ojos de un personaje, no estamos desorientados por la edición. Esto es debido a la edición sigue la regla de 180 grados. Desde el disparo de salida, el capitán Louis está a la derecha, y Rick está a la izquierda. Esta configuración se mantiene durante toda la escena hasta que veamos el capitán Louis caminar fuera de la oficina, pasando por Rick. Una vez que una línea de 180 grados se ha establecido en una escena, nunca debe ser rota - de lo contrario parecerá accidentalmente como personajes han intercambiado sus posiciones.
3. Psycho (1960)
Editar eficientemente puede ser muy poderoso. Cuando el público primero vio Psycho, muchos asumieron que la secuencia de la ducha era mucho más gráfica de lo que realmente era. La escena de tres minutos al parecer se hizo desde 77 ángulos de cámara diferentes, y corta 50 veces. Esto significa que en realidad es bastante difícil ver lo que está pasando, por lo que la mente se llena los espacios en blanco. Mientras que la escena es relativamente moderada para los estándares de hoy en día, en el momento algunos espectadores estaban seguros de que habían visto a los dos desnudos, así como la puñalada Marion Crane (Janet Leigh).
La escena de la ducha de Psicosis también proporciona un ejemplo de cómo muchos directores crean vínculos entre disparos por juego gráficamente. Aquí, vemos la sangre drene por el desagüe redonda y que luego se disuelven en otra imagen redonda; un ojo. Hemos visto su fuga de la vida lejos, y ahora sabemos que está muerta después de que hemos visto su mirada sin vida.
4. The Good, the Bad and the Ugly (1966)
Un ejemplo perfecto de la edición de ritmo es el último tiroteo en El bueno, el feo y el malo. La música comienza melódica como el ojo del pistolero unos a otros, y sus alrededores. Una vez que cada personaje está en posición, y lista para disparar, la velocidad de los cambios aumenta con la velocidad de la música. Ojos se mueven de vaquero al vaquero, ya que cada nerviosamente espera a que el otro para dibujar. El resultado es hermoso, rítmico, y tenso.
5. The Godfather (1972)
Un montaje se lleva a cabo en El Padrino, en la que una serie de asesinatos tienen lugar en el espacio de una secuencia muy corta de tiempo. Un montaje es una manera eficiente de moverse rápidamente a través de una historia, como se es capaz de mostrar una gran cantidad de información en una serie corta de tiempo. Jugada maestra de Francis Ford Coppola era yuxtaponer este sangriento montaje con los votos de bautismo de Michael Corleone (Al Pacino), cortando transversalmente entre los dos.
Michael se convierte en el literal y metafórica, padrino en el espacio de dos minutos.
6. Raiders of the Lost Ark (1980)
En busca del arca perdida es la película de acción clásico de Steven Spielberg. En la escena de apertura, Indiana Jones (Harrison Ford) esquiva accidentalmente un conjunto de trampas explosivas antiguas mientras que el robo de un ídolo de oro en Perú. Una vez que queda claro que no todo está bien, la escena se desarrolla en frenesí. El templo comienza a derrumbarse las puertas comienzan a caer. Flechas se dispararon al azar; Indiana casi cae en el abismo; y, para colmo, una enorme piedra comienza a rodar hacia nuestro héroe.
A pesar de estos acontecimientos frenéticos, la edición es coherente. Cada tiro se enmarca limpiamente para que podamos ver exactamente lo que está sucediendo en cada fotograma. De hecho, la cámara suele ser estática - sólo se mueve un poco para seguir el movimiento del personaje principal. Edición de la acción clásica se basa en el público la comprensión de lo que está afectando a los personajes. La edición puede ser rápida, pero todos los eventos clave se explican; Indiana Jones se agarra a una vid y nosotros no lo vemos deslizarse hasta después de que hemos visto un primer plano de la vid que se afloje.
La edición también corta repetidamente en la acción. Por ejemplo, vemos Indiana Jones ejecutar al final de un túnel y hay luego un corte en un nuevo tiro de él balanceándose sobre un abismo profundo. Este corte en la acción significa que las dos situaciones separadas se unen entre sí, formando una pieza continua de acción.
Tony Scott fue seleccionado debido a su experiencia dirigiendo un comercial para Sabb popular que tuvo su última carrera de autos un avión de combate. De hecho, desde hace quince años Scott había desarrollado una exitosa carrera haciendo anuncios. Como resultado, él estaba acostumbrado a tener que obtener una gran cantidad de información a través de en un corto espacio de tiempo (a veces tan sólo treinta segundos).
En cuanto a este clip de Top Gun, la experiencia de Scott como director de publicidad es clara. Las ediciones de tiro-a-tiro son de ritmo rápido, rara vez dura más de dos segundos, y el énfasis de disparos es en las caras de los personajes y no sus cuerpos completos (incluso en los disparos con los personajes que no están en cabinas). Este estilo post-clásico de la edición se refiere a veces como "la edición de MTV" porque se dirige a un público que se habían criado con viendo estilizados cortos y videos musicales en MTV.
8. Schindler’s List (1993)
Otra función vital de la edición es mantener la continuidad temporal. En casi todas las circunstancias el director va a querer entender dónde se encuentra en la línea de tiempo de la película, y ellos también quieren que usted entienda qué tan rápido el tiempo pasa. Una disolvencia es la forma estándar para que el público sepa que el tiempo ha pasado sin embargo; no es la única manera.
Mientras Itzhak Stern (Ben Kingsley) y Oskar Schindler (Liam Neeson) están creando la lista, la acción tiene cortes a medida hasta una escena completamente diferente que da al público un mayor conocimiento acerca de los esfuerzos de Oskar para procurar su mano de obra judía. Cuando regresemos a la oficina, no sólo ha ayudado a este corte transversal para mover el flujo del tiempo a lo largo, ahora sabemos cómo se determinó Oskar está esforzándose mucho.
A Spielberg también le gusta que coincida con sus gráficos al editar por lo que vemos Itzhak contando a través de una lista recién escrita seguido de un corte a Oskar que lee una lista completa. Esto crea un vínculo metafórico desde el principio, y hasta el final, del proceso de la lista-escritura. A pesar de que la edición es simple corte, sabemos que el tiempo ha pasado, porque los dos personajes se encuentran en diferentes posiciones y la iluminación es baja; esto no es discordante porque del partido gráfico.
Este clip es también un recordatorio del poder de no editar un tiro. Cuando Oskar dice Itzhak dejar de trabajar en la lista de nombres, tenemos una posibilidad remota que tiene una duración de dos minutos. La cámara y zooms ligeramente para seguir la acción, pero la energía ha pasado de los hombres por lo que la energía va de la edición. Ellos han trabajado toda la noche, y Oskar (Liam Neeson) es también esta cansado de haber gastado tanto dinero. Por otra parte, un discurso muy potente es entregado por Itzhak (Ben Kingsley) y no tienen cortes que interrumpan el flujo que ayuda a añadir poder.
9. Quantum of Solace (2008)
En lugar de establecer la geografía de la torre del reloj que James Bond (Daniel Craig) está de pie en los cortes de edición de ángulo a ángulo, lo que aumenta la tensión emocional de Bond. Después ataca Bond, la edición se vuelve aún más rápida. En lugar de tener un visual limpio de cómo los acontecimientos se están desarrollando se nos presenta una serie de primeros planos temblorosos: pistolas, caras, el andamiaje colapso, ladrillos que golpean la pantalla, vidrio demoledor etcétera. Además, hay muy poco de corte en la acción; en cambio tomas sucesivas ofrecen perspectivas completamente diferentes.
Edición rápida y trabajo de cámara en constante movimiento pueden ser referidos como "la continuidad intensificada" o "cine caos". En este estilo de edición, no es crucial para la audiencia a orientarse, o entender claramente lo que está sucediendo. La emoción se crea mediante la estimulación de los sentidos de la audiencia tanto como sea posible con los movimientos de cámara dinámicos y edición frenética.
10. The Social Network (2010)
A pesar de los cambios de estilo en la edición de las películas de acción, la edición clásica sigue siendo estándar para el cine de Hollywood. Este clip de The Social Network muestra una conversación entre Mark Zuckerberg y un abogado y la conversación se desarrolla utilizando el contraplano como técnica de tiro.
Por supuesto, si todas las conversaciones de cine se cuentan utilizando sólo dos ángulos de la escena sería bastante aburrido. Cuando Zuckerberg se da cuenta de que ha empezado a llover edita a un punto de vista que nos permite ver a través de sus ojos. A continuación, edita a un tiro de reacción de dos de sólo del demandante después de Zuckerberg primero dice "no". Tomas de reacción a menudo hacen que las escenas tengan más textura e interés como la acción corta distancia de la escena principal, sin dejar que nos muestre información importante. El disparo que nos muestra la videocámara es también un recorte de distancia, lo que le da un sabor extra.
A medida que la conversación se vuelve más caliente, cortamos a un close up de Zuckerberg seguido por un medio de acercamiento de la abogada. Disparos Closer permiten detalles más notables, y ayudan a captar las expresiones del actor. Se utilizan aquí de manera que el público pueda entender que los dos personajes están cada vez más enojados. Una vez que se han establecido allí las emociones, la escena y luego edita a un plano medio de manera que las reacciones del resto de la habitación son de captura (primer equipo de la parte demandada, a continuación, el equipo de los incómodos demandantes buscan '). Es una conversación sencilla, pero la edición ha permitido a la audiencia a absorber todos los matices y detalles de la situación.
