TRAILER: "STARRING ADAM WEST"

EL REGRESO DE ADAM QUEST

Hay una escena divertida en "Neighbors" donde dos tíos borrachos discuten sobre cual actor es el Batman definitivo. Para Seth Rogen de treinta y tantos, es Michael Keaton de Batman y Batman Returns. Para el niño del colegio Zac Efron, es Christian Bale en las películas de Christopher Nolan. Y en el futuro, para los niños aún más jóvenes que eso, podría muy bien convertirse en Ben Affleck llegando hasta Henry Cavill en Batman vs Superman: Dawn of Justice. 

Sin embargo, para una parte considerable de la población, Batman siempre ha sido y siempre será Adam West de la serie televisiva de los años 60. Aunque han pasado décadas desde que terminó el programa, él sigue siendo un icono entre los fans de los superhéroes. El nuevo documental "Starring Adam West" es todo acerca de su carrera, de su rápido ascenso y a la igualmente rápida decadencia, y su legado duradero.

Es un poco gracioso que Starring Adam West debe salir al mismo tiempo que Birdman de Alejandro González Iñárritu. Esa película ofrece una versión mucho más sombría, más surrealista de la vida post-superhéroe, con otro ex Batman (Keaton) jugando un actor deslavado que se hizo famoso tocando una figura tipo Batman.

Para bien y para mal, Batman define a West. Eso le llevó a la fama de repente, pero estaba tan encasillado que luchó demasiado para encontrar un éxito similar después. Finalmente, se abrazó a su imagen pública. Repitió el papel de Batman para diversos programas especiales de televisión y apariciones como invitado, y jugó versiones exageradas de sí mismo en programas como Family Guy. En el trailer por encima de algún indicio, parece muy contento con el trabajo de su vida hoy en día.

Starring Adam West hizo ronda por festivales a principios de este año y ahora está disponible a través de Starz, según el sitio web oficial.

Sinopsis

En 1966 Adam West estaba en la cima del mundo. El granjero de Walla Walla estaba en un ascenso meteórico a la fama como la estrella de la serie de ABC Batman. Pero después de tres temporadas, la serie fue cancelada, dejando a West encasillado como el Cruzado Enmascarado. Pero Adam West nunca se rindió. A través de los años buenos y en los malos, continuó su pasión, dedicarse a su oficio, y la lucha su camino de regreso. "Starring Adam West" es la historia de un sobreviviente de Hollywood, un hombre de familia, y los fieles seguidores que no se detendrán ante nada para ver su súper héroe justamente recompensado con una estrella en el Hollywood Walk of Fame.

TRAILER: "THE HUMBLING" DIR. BARRY LEVINSON

AL PACINO ABRAZA EL CAOS DE SER UN ACTOR DE EDAD AVANZADA

Al Pacino aparece en dos películas grandes del festival de este año: de David Gordon Green "Manglehorn", y "The Humbling" de Barry Levinson. Pacino interpreta a un actor de edad, que se embarca en una aventura con una mujer más joven (Greta Gerwig) después de que él tiene una avería menor. OK, no es quizás uno de esos problemitas menores. 

Si eso suena que tiene ser realmente material de Woody Allen, Tenga en cuenta que la película es una adaptación de la novela de Philip Roth, que casi podría considerarse doble literario de Allen. Pacino recogió derechos de la novela, se reunió con Levinson, su director de "You don´t know Jack", y consiguió a Buck Henry y Michal Zebede para el guión. 

"The Humbling" sólo se estrenó en Venecia, y tendrá su estreno en América del Norte pronto en TIFF. Aquí hay información de la TIFF relato:

Sinopsis:

Un actor viejo y podrido (Al Pacino) tiene su mundo al revés después de que se embarca en una aventura con una mujer mucho más joven (Greta Gerwig), en esta adaptación de una novela de Philip Roth, del director Barry Levinson (Rain Man, Bugsy, La cortina de humo).

Dedicar la propia vida a la actuación es vivir siempre en el espacio entre la realidad y la ficción. Y como la vida de Simon Axler (Al Pacino, que también aparece en el Festival en Manglehorn) llega a su desenlace, ese espacio se pone más borroso con cada día que pasa. Una vez que una actriz universalmente aclamado, el ahora sexagenario Simon ha caído de la gracia - literalmente. Después de aventarse directo en el foso de la orquesta en medio de una actuación, que se desliza dentro de una depresión intensa, y muy posiblemente la demencia, lo que lleva a un hechizo en un centro psiquiátrico. Tras su liberación, acuerda continuar la terapia y jura que va a renunciar a la actuación. Pero Simon siempre está actuando, siempre calificar su "performance" en el teatro de la vida cotidiana. Es sólo cuando se encuentra en un romance poco probable mucho más joven (Greta Gerwig), la hija de unos viejos amigos - y hasta ahora una lesbiana - que Simon parece estar de vuelta. ¿O es él?. Todo el mundo es un escenario, a continuación, Simon parece estar perdiendo su control sobre quién juega qué papel.

10 PELÍCULAS QUE NOS PUEDEN ENSEÑAR TODO SOBRE LA EDICIÓN

LOS MAESTROS DEL MONTAJE NOS MUESTRAN EL CAMINO

La edición es un proceso de selección. A veces, cientos de horas de material de son filmadas, y sólo se terminan viendo en torno a dos horas. Es también un lenguaje que tiene sus reglas. Cuando se hace mal puede causar aburrimiento o, peor aún confusión. 

La importancia de la edición no puede ser subestimada. De acuerdo con los escritores de cine aclamados David Bordwell y Kristin Thompson, la típica película de Hollywood tiene entre 1.000 y 2.000 emplazamientos que se han cortado juntos. Para las películas de acción, esa cifra puede subir dramáticamente a 3000 emplazamientos distintos. Para esta lista, he incluido un clip para una gran selección de películas que pueden enseñarnos mucho sobre la edición de películas. 

Este artículo ha sido escrito con la esperanza de inspirar a regresar a algunas de sus propias escenas favoritas, en sus propias películas favoritas, para que pueda deconstruir y analizar la forma en la edición de la película ha ayudado a diseñar un momento cinematográfico perfecto. 

1. Battleship Potemkin (1925)

El director, Sergei Eisenstein, es famoso por la creación de películas que carecían de las características convencionales y los personajes centrales. En lugar de ello, sus películas crean momentos muy emocionales para que el público se enganche. Estos momentos son montados en montajes que contienen imágenes yuxtapuestas que transmiten energía y entusiasmo.

En El acorazado Potemkin, Eisenstein está tratando de fomentar la idea de un mal gobierno zarista. Como resultado de ello se nos muestra imágenes que el público pueda entender y ser horrorizado: recibir un disparo por un niño y luego ser pisoteado, protestas, un cochecito de un bebé rodando por los escalones, soldados opresivas, etc ¡Es importante recordar que Eisenstein no estaba tratando de reflejar la realidad; la masacre de Odessa nunca ocurrió, y la secuencia es de siete minutos de duración, mientras que en la vida real que tomaría menos de la mitad del tiempo a correr por las escaleras.

La escena concluye con un querubín de piedra y el león que aparece a venir a la vida (tres emplazamientos distintos de ambas estatuas en diferentes posiciones da la impresión de que van de estar sentado inmóvil al pie y listo para la acción). Estas imagenes, editadas junto al Potemkin y contra edificios zaristas, transmiten que es hora de levantarse contra los opresores.


2. Casablanca (1942)

Un ejemplo claro de edición clásica, en primer lugar, orientar al público mediante la creación de relaciones espaciales. Esto se puede lograr simplemente por coincidencia. En esta escena de Casablanca, Rick (Humphrey Bogart) y el Capitán Louis (Claude Rains), ambos se establecen dejando la cámara detrás del hombro de Louis viendo a Rick sentado en un escritorio. En la foto, podemos ver los ojos de Rick mirando al capitán. Después de la primera edición que estamos ahora mirando directamente al capitán, por lo que el público sabe que estamos mirando a través de los ojos de Rick.

La escena avanza, durante la conversación, haciendo que el cambio de ángulo de la cámara con frecuencia (pero siempre sabemos qué perspectiva que estamos buscando). Cuando la cámara muestra un personaje mirando a otro, y luego se muestra el contador-shot desde el punto de vista del otro personaje, se le conoce como contraplano disparado. La técnica de tiro contraplano es una piedra angular de la edición clásica.

A medida que la conversación se acerca, se introducen dos nuevos ángulos. El primer ángulo establece que la posición del capitán ha cambiado. El segundo ángulo permite la entrada de un tercer personaje (si hubiéramos simplemente ha dado un primer plano de este tercer personaje que entra, que no hemos sabido dónde en la habitación que había entrado desde).

A pesar de que ya no estamos mirando a través de los ojos de un personaje, no estamos desorientados por la edición. Esto es debido a la edición sigue la regla de 180 grados. Desde el disparo de salida, el capitán Louis está a la derecha, y Rick está a la izquierda. Esta configuración se mantiene durante toda la escena hasta que veamos el capitán Louis caminar fuera de la oficina, pasando por Rick. Una vez que una línea de 180 grados se ha establecido en una escena, nunca debe ser rota - de lo contrario parecerá accidentalmente como personajes han intercambiado sus posiciones.



3. Psycho (1960)

Editar eficientemente puede ser muy poderoso. Cuando el público primero vio Psycho, muchos asumieron que la secuencia de la ducha era mucho más gráfica de lo que realmente era. La escena de tres minutos al parecer se hizo desde 77 ángulos de cámara diferentes, y corta 50 veces. Esto significa que en realidad es bastante difícil ver lo que está pasando, por lo que la mente se llena los espacios en blanco. Mientras que la escena es relativamente moderada para los estándares de hoy en día, en el momento algunos espectadores estaban seguros de que habían visto a los dos desnudos, así como la puñalada Marion Crane (Janet Leigh).

La escena de la ducha de Psicosis también proporciona un ejemplo de cómo muchos directores crean vínculos entre disparos por juego gráficamente. Aquí, vemos la sangre drene por el desagüe redonda y que luego se disuelven en otra imagen redonda; un ojo. Hemos visto su fuga de la vida lejos, y ahora sabemos que está muerta después de que hemos visto su mirada sin vida.


4. The Good, the Bad and the Ugly (1966)

Un ejemplo perfecto de la edición de ritmo es el último tiroteo en El bueno, el feo y el malo. La música comienza melódica como el ojo del pistolero unos a otros, y sus alrededores. Una vez que cada personaje está en posición, y lista para disparar, la velocidad de los cambios aumenta con la velocidad de la música. Ojos se mueven de vaquero al vaquero, ya que cada nerviosamente espera a que el otro para dibujar. El resultado es hermoso, rítmico, y tenso.



5. The Godfather (1972)

Un montaje se lleva a cabo en El Padrino, en la que una serie de asesinatos tienen lugar en el espacio de una secuencia muy corta de tiempo. Un montaje es una manera eficiente de moverse rápidamente a través de una historia, como se es capaz de mostrar una gran cantidad de información en una serie corta de tiempo. Jugada maestra de Francis Ford Coppola era yuxtaponer este sangriento montaje con los votos de bautismo de Michael Corleone (Al Pacino), cortando transversalmente entre los dos.

Michael se convierte en el literal y metafórica, padrino en el espacio de dos minutos.



6. Raiders of the Lost Ark (1980)

En busca del arca perdida es la película de acción clásico de Steven Spielberg. En la escena de apertura, Indiana Jones (Harrison Ford) esquiva accidentalmente un conjunto de trampas explosivas antiguas mientras que el robo de un ídolo de oro en Perú. Una vez que queda claro que no todo está bien, la escena se desarrolla en frenesí. El templo comienza a derrumbarse las puertas comienzan a caer. Flechas se dispararon al azar; Indiana casi cae en el abismo; y, para colmo, una enorme piedra comienza a rodar hacia nuestro héroe.

A pesar de estos acontecimientos frenéticos, la edición es coherente. Cada tiro se enmarca limpiamente para que podamos ver exactamente lo que está sucediendo en cada fotograma. De hecho, la cámara suele ser estática - sólo se mueve un poco para seguir el movimiento del personaje principal. Edición de la acción clásica se basa en el público la comprensión de lo que está afectando a los personajes. La edición puede ser rápida, pero todos los eventos clave se explican; Indiana Jones se agarra a una vid y nosotros no lo vemos deslizarse hasta después de que hemos visto un primer plano de la vid que se afloje.

La edición también corta repetidamente en la acción. Por ejemplo, vemos Indiana Jones ejecutar al final de un túnel y hay luego un corte en un nuevo tiro de él balanceándose sobre un abismo profundo. Este corte en la acción significa que las dos situaciones separadas se unen entre sí, formando una pieza continua de acción.

7. Top Gun (1986)

Tony Scott fue seleccionado debido a su experiencia dirigiendo un comercial para Sabb popular que tuvo su última carrera de autos un avión de combate. De hecho, desde hace quince años Scott había desarrollado una exitosa carrera haciendo anuncios. Como resultado, él estaba acostumbrado a tener que obtener una gran cantidad de información a través de en un corto espacio de tiempo (a veces tan sólo treinta segundos).

En cuanto a este clip de Top Gun, la experiencia de Scott como director de publicidad es clara. Las ediciones de tiro-a-tiro son de ritmo rápido, rara vez dura más de dos segundos, y el énfasis de disparos es en las caras de los personajes y no sus cuerpos completos (incluso en los disparos con los personajes que no están en cabinas). Este estilo post-clásico de la edición se refiere a veces como "la edición de MTV" porque se dirige a un público que se habían criado con viendo estilizados cortos y videos musicales en MTV.


8. Schindler’s List (1993)

Otra función vital de la edición es mantener la continuidad temporal. En casi todas las circunstancias el director va a querer entender dónde se encuentra en la línea de tiempo de la película, y ellos también quieren que usted entienda qué tan rápido el tiempo pasa. Una disolvencia es la forma estándar para que el público sepa que el tiempo ha pasado sin embargo; no es la única manera.

Mientras Itzhak Stern (Ben Kingsley) y Oskar Schindler (Liam Neeson) están creando la lista, la acción tiene cortes a medida hasta una escena completamente diferente que da al público un mayor conocimiento acerca de los esfuerzos de Oskar para procurar su mano de obra judía. Cuando regresemos a la oficina, no sólo ha ayudado a este corte transversal para mover el flujo del tiempo a lo largo, ahora sabemos cómo se determinó Oskar está esforzándose mucho.

A Spielberg también le gusta que coincida con sus gráficos al editar por lo que vemos Itzhak contando a través de una lista recién escrita seguido de un corte a Oskar que lee una lista completa. Esto crea un vínculo metafórico desde el principio, y hasta el final, del proceso de la lista-escritura. A pesar de que la edición es simple corte, sabemos que el tiempo ha pasado, porque los dos personajes se encuentran en diferentes posiciones y la iluminación es baja; esto no es discordante porque del partido gráfico.

Este clip es también un recordatorio del poder de no editar un tiro. Cuando Oskar dice Itzhak dejar de trabajar en la lista de nombres, tenemos una posibilidad remota que tiene una duración de dos minutos. La cámara y zooms ligeramente para seguir la acción, pero la energía ha pasado de los hombres por lo que la energía va de la edición. Ellos han trabajado toda la noche, y Oskar (Liam Neeson) es también esta cansado de haber gastado tanto dinero. Por otra parte, un discurso muy potente es entregado por Itzhak (Ben Kingsley) y no tienen cortes que interrumpan el flujo que ayuda a añadir poder.



9. Quantum of Solace (2008)

En lugar de establecer la geografía de la torre del reloj que James Bond (Daniel Craig) está de pie en los cortes de edición de ángulo a ángulo, lo que aumenta la tensión emocional de Bond. Después ataca Bond, la edición se vuelve aún más rápida. En lugar de tener un visual limpio de cómo los acontecimientos se están desarrollando se nos presenta una serie de primeros planos temblorosos: pistolas, caras, el andamiaje colapso, ladrillos que golpean la pantalla, vidrio demoledor etcétera. Además, hay muy poco de corte en la acción; en cambio tomas sucesivas ofrecen perspectivas completamente diferentes.

Edición rápida y trabajo de cámara en constante movimiento pueden ser referidos como "la continuidad intensificada" o "cine caos". En este estilo de edición, no es crucial para la audiencia a orientarse, o entender claramente lo que está sucediendo. La emoción se crea mediante la estimulación de los sentidos de la audiencia tanto como sea posible con los movimientos de cámara dinámicos y edición frenética.

10. The Social Network (2010)

A pesar de los cambios de estilo en la edición de las películas de acción, la edición clásica sigue siendo estándar para el cine de Hollywood. Este clip de The Social Network muestra una conversación entre Mark Zuckerberg y un abogado y la conversación se desarrolla utilizando el contraplano como técnica de tiro.

Por supuesto, si todas las conversaciones de cine se cuentan utilizando sólo dos ángulos de la escena sería bastante aburrido. Cuando Zuckerberg se da cuenta de que ha empezado a llover edita a un punto de vista que nos permite ver a través de sus ojos. A continuación, edita a un tiro de reacción de dos de sólo del demandante después de Zuckerberg primero dice "no". Tomas de reacción a menudo hacen que las escenas tengan más textura e interés como la acción corta distancia de la escena principal, sin dejar que nos muestre información importante. El disparo que nos muestra la videocámara es también un recorte de distancia, lo que le da un sabor extra.

A medida que la conversación se vuelve más caliente, cortamos a un close up de Zuckerberg seguido por un medio de acercamiento de la abogada. Disparos Closer permiten detalles más notables, y ayudan a captar las expresiones del actor. Se utilizan aquí de manera que el público pueda entender que los dos personajes están cada vez más enojados. Una vez que se han establecido allí las emociones, la escena y luego edita a un plano medio de manera que las reacciones del resto de la habitación son de captura (primer equipo de la parte demandada, a continuación, el equipo de los incómodos demandantes buscan '). Es una conversación sencilla, pero la edición ha permitido a la audiencia a absorber todos los matices y detalles de la situación.

4 RAZONES DE PORQUE EL MATERIAL FILMICO NO HA MUERTO AÚN

La desaparición de la película de 35 mm ha sido tan ampliamente discutida que es fácil creer que la película ha sido totalmente suplantada por cámaras digitales y proyectores. Pero eso no es del todo cierto. Hace unas semanas tuvimos la noticia que la película de 35 mm de stock negativa tuvo una nueva oportunidad de vida, con una coalición de los estudios de Hollywood que hizo un compromiso financiero para mantenerlo con vida durante unos cuantos años más, e incluso hay lugares donde todavía se puede ver una película proyectada en 35mm , si usted sabe dónde buscar. No queremos exagerar el caso porque la película realmente está contra las cuerdas en una era digital. Pero aquí hay algunas razones por las cuales los cineastas y aficionados al cine por igual todavía tenemos una oportunidad de aprovechar al máximo los últimos días de la película.


Los más poderosos de Hollywood no quieren que muera.

Cineastas famosos han convencido a los estudios de Hollywood para mantener la fábrica en funcionamiento de película de Kodak. The Wall Street Journal hace unas semanas reveló "negociaciones secretas" entre Kodak en un lado y Warner Bros., Universal, Paramount, Disney, y The Weinstein Company en el otro para mantener Kodak en la industria del cine. Básicamente, los estudios se están comprometiendo a comprar cantidades fijas de stock de la película en los próximos años, en nombre de los directores que lo puedan utilizar. Entre los realizadores de cabildeo para el acuerdo eran Quentin Tarantino, Judd Apatow, JJ Abrams, y Christopher Nolan, todos los cuales han seguido trabajando en 35mm. De hecho, Tarantino ha prometido rodar su próxima película, "The Hateful Eight", en 70mm, y Nolan en la parte superior de esta página, en el lugar con una cámara IMAX para su lanzamiento en noviembre, Interestelar. Y Martin Scorsese emitió un comunicado en apoyo del acuerdo de Kodak. "Los jóvenes que se ven obligados a hacer películas deben tener acceso a las herramientas y los materiales que eran los componentes básicos de esa forma de arte", dijo. "¿A alguien se le ocurriría decirle a los jóvenes artistas a deshacerse de sus pinturas y lienzos en iPads son mucho más fácil de llevar? Por supuesto que no."

Claro, JJ Abrams puede usar su influencia y obtener la luz verde para disparar Star Wars 7 en la película. Pero  la película de 35mm sigue siendo viable incluso para proyectos independientes. Con la ayuda de una campaña de Kickstarter éxito y el apoyo del New Filmmaker Program, que presta equipo de cámara de 16mm y 35mm para proyectos de bajo presupuesto. En Washington DC, el cineasta Zeresenay Berhane Mehari fue capaz de dirigir "Difret" en locaciones de Etiopía, disparando película de 35 mm y enviarlo a la India para su procesamiento. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de este año, donde ganó el Premio del Público en el World Cinema Dramatic categoría, y está haciendo las rondas de festivales con el nombre de Angelina Jolie que se adjunto como productora ejecutiva. No está mal para una pequeña película.

Las impresiones de película no están extintas, sólo una especie en peligro de extinción.

Podría parecer que todos los exhibidores en la tierra han hecho la transición a la proyección digital, pero hay algunos que se han mantenido fieles. Al final de 2013, según la firma de investigación IHS, todavía había 2.969 pantallas-35mm sólo en los EE.UU. En el área metropolitana de Nueva York, Cinemart Cines en Forest Hills, Queens, según se informa uno de los últimos teatros basados en la exhibición de películas, lo que lleva algunos cinéfilos a hacer la peregrinación específicamente para ver una película en 35mm. También será capaz de ver la película proyectada en todo su esplendor en noviembre, cuando se imprima en IMAX de 15 perforaciones la película de 70 mm de Interestelar de Nolan.

Los archivos fílmicos tienen (mucho) mayor vida útil que los archivos digitales.

Las películas necesitan archivarse de alguna manera, y los cineastas que confían en los masters digitales como su "archivo" pueden estar confiando en un desastre. Como la Academia escribió en su informe digital Dilema 2 emitido en 2012, "todavía no se han desarrollado mecanismos de preservación y acceso adecuados a largo plazo para los materiales de imágenes en movimiento digital." La conversión de ese color master digital a película de separación en blanco y negro es una buena manera de llegar a un formato de archivo, y con eso en mente, Kodak ha desarrollado recientemente dos nuevos tipos de película de archivo. El ejecutivo de Kodak Andrew Evenski nos recordó a finales del año pasado, "la película ofrece un formato estándar, legible por humanos que ha estado en existencia por más de un siglo, y existirán métodos para recuperar el contenido de un marco de 35 mm en el futuro." Incluso la reciente transición digital documental Side by Side fue finalmente comprometida a filmar de stock para los archivos.

CORTOMETRAJE: INTUITION

EL FACEBOOK NO PUEDE FALLAR

La cineasta Danielle Lurie estuvo en Barcelona recientemente, y, como ella escribe, hizo un cortometraje sobre la marcha. Conecto con la actriz principal, Montse Muñoz a través de Facebook y ha hecho una película preciosa sobre la indecisión romántica, señales contradictorias y la magia del azar. 

INTUITION from Danielle Lurie on Vimeo.